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导读：
五一假期《墙面与桌面》展览成了成都网红看展（打卡）目的地。在集火看展花样多到喧宾夺主：可以打台球、读诗、看画册、女友们花园小聚会......这个展览就是“艺术消费的生活剧场”，是让艺术审美回归日常状态，去年集火的《走人户》艺术展也是这个目的，这次更极致——漫无目的的海量作品，有的穿越美术史，有的漫游列国，没有装逼的艺术理论，没有“懂与不懂”的对峙，很多作品便宜到买家会问“这个价格包括画框吗”。很多人仔细看每一幅画，待一个下午；有人离开又返回，拿出“某书”里的照片说自己看漏了；有位先生因为画作的年份和自己同龄而下单，他说他会想象55年前画家画马特洪峰时，山是什么颜色他个人是什么状态；还有人不但买作品还想买我们的永久自行车、我们自己收藏的 老椅子，我们的旅游纪念品。
假期过后，忘记“网红”的虚荣，安静下来，读完谢晋宇教授的最后一篇文章——《艺术消费中的桌面：器物》。谢教授聊了一个特别有生活感的观点：“桌面，是艺术消费的第二个主场。”
不是只有挂在墙上的才叫艺术。日常的桌上，一碗一碟、一杯一咖、瓶瓶罐罐、花草小物……都可以成为艺术觉醒的现场。
艺术不必高高在上，它就在你一饭一粥的烟火气里。来展览现场，感受艺术如何“降落”到桌面，点亮日常角落。
把艺术请下墙面，搬上桌面。
趁展厅刚喘口气，人少好逛，来看点不一样的收藏展吧。
《墙面与桌面》展览现场
艺术消费中的桌面：
器物
桌面是艺术消费的第二个生活场域。桌面是供摆置各种各样的器物而存在的。发生在桌面的艺术消费让艺术消费不仅在墙面，而发生在更加日常的桌面，无论是一饭一粥，一茶一咖，花花草草，瓶瓶罐罐都可以成为艺术觉醒的场域。
这个区域完全可以作为一个生命场来看待，因为我们无论是吃饭、喝茶、喝酒、喝咖啡，还是插花，摆置书写器具、焚香器具、祭祀器具，亦或仅仅是为了美观而需要的器物，都是在这个场域上演。那些摆件更是我们游历（我们都有从游历之地带回纪念物的习惯）、欲望、审美的直接映射，通过这些摆件，我们存留我们的孤独，封禁我们的不确定，释放我们的内在。
人们总是说，看一个人的藏书就可以判断他是什么人。在我看来，摆件基本上就是一个另外的自我。再者，那些林林总总（总是有人在抱怨自己的器物多到了无处摆置的地步）的器物赋予了我们平淡无奇的日子多少意外。我们在这器物的柜子里（建议如果可能应该给它们一个独立的空间，就像我们会给衣服、鞋子、包包一个空间一样）展演了一个多么不同的人生，探究了多少幽微，以器物倍增了生命，反之亦然。
《墙面与桌面》展览现场
工业器物是一种快速制造的，大批量制造的，尽管带来了价格上的便利和量上的海量可能，却根本不是我们主张消费的器物。我们主张在艺术消费里使用的是一种具有跨越时间的连续性的物品。
进入工业化时代开始，我们的世界制造出来的东西都是轻的、快的、一致的、标准化的、一次性的（如代替器物的纸杯）。
所以要通过使用器物来被救赎变得越来越难，我们已经变得缺乏耐心，同时十分散漫。而真正的可以带来救赎的东西都是需要缓慢的，需要庄重的，需要注意力的，需要我们不是停留在表面的，需要穿透的，需要抵达内心的，或者是形而上的、精神的、内在需要的、回到事物内部的、一种与暗流对话的、一种渊源的、悠远的和根本性的。
这些器物是可以和我们进行心灵对话的。当我们捧着这些器物的时候，我们可以达到和做这些器物的大师对话的境界。在美国媒体写日本陶瓷评论的罗伯特·耶林说那些只是功能性容器的东西，在他手上突然开始“说话”，这个说话语言无法言说，逻辑也无从解释。他写的《陶瓷颂》，用了颂歌这样的词语。
《墙面与桌面》展览现场
日本器物的自我历史来自于他们与中国中国父亲和朝鲜这个母亲的对话，对话中发生了一次美学的逆转。在那之前，茶道信奉的是精良的茶碗，釉色均匀、造型规整、壁面光生。引领这场逆转的是四百年前千利休。他向长次郎定制的抹茶碗后来成为日本器物的审美模型：粗粝、不对称、破裂、切口，釉不均，色不匀，被总结为“侘寂”。侘指寂静里的贫寒，寂指岁月积澱的沧桑。第二次带来同样逆旅的是一百年前的柳宗悦。他对日本民艺的倡导抵抗的是机械化和西方化。在他看来，工业主义产品尽管价廉，但是并不物美，购买这样器物的消费者付出的代价是失去温暖、和善和美。
这两次逆转都指向同一个方向，器物不必很贵，器物必须被使用，被使用的器物才是完成态的器物。这样的器物哲学是完全符合艺术消费的哲学。所有的器物，无论是茶器、食器，还是花器和咖啡器，都在一种与人类极其密切的、亲切的关系之中存在。一只壶要被手握着、被嘴唇触碰着、被液体盛着、被鼻子闻着才能真正是活的器物。它不应该被摆在器物陈列柜里供奉，不应该是收藏品和投资品。感受器物的触感、重量、材质、温润，这是墙面上悬挂的绘画作品和摆在桌面的摆件做不到的事情（日本陶艺家加藤唐九郎语）。
千利休像
《墙面与桌面》展览现场
当我们强调器物被使用，被消费的时候，产生了一种全新的反精英主义的器物观。在精英主义者言里，器物是彰显地位的器物，是彰显财富的符号。而柳宗悦的器物观，相信器物有自己的尊严，它的尊严就是“用之美”，是回到美本身的平等和民主的。
好的器物值得持在手里，而不是短暂地握着，让它们在你的手里升温。实际上触感是真正器物消费的核心。它们或滑或粗，带着些微的手感的阻力，像木器使用过产生的包浆，它们有自己不同的温度和不同的摩擦系数。
真正让桌面的器物产生艺术消费价值的是它们的纹理，它们的肌理，它们是色泽，每一只器物都因为它们的立面而形成一个类似墙面的“画布”。在这里，由于自然力（金木水火土都有参与）和人力的共同融合，才使得釉面是人类的抽象绘画很难达到的，那种深沉的有机感是让器物消费者着迷的绘画，当然，更是烧窑让陶艺家着迷的原因。人总是想把看不见的东西视觉化（典型的如箕面烧将箕面山的红叶的视觉化）。一种可以触动我们的共通的感觉被陶艺家转化到作品里，再让使用者去想象、补充，自由地和它们发生关系。这是和架上艺术是一样的，但是正如加藤唐九郎所言，器物又是和架上艺术不一样的。这构成一种艺术消费的美学立场。
萁面烧乐烧碗
《墙面与桌面》展览现场
器物的线条、色泽、肌理改变我们的内心，改变我们的环境，改变与它摆置在一起的其它东西的氛围，对于那些可以从味觉的角度使用器物的消费者来说，它们改变茶、改变食物、改变咖啡的味道，甚至它们可以改变插在器物里的花草的寿命。
日本器物从安土桃山时代开始形成了茶器鉴赏的几个部位：胴部（腹部）、腰部、口造（边缘）、内部（内部还会特别鉴赏茶筅活动的部位）、高台（锅底，既底部，仅仅这个不起眼的部位就有12种之分）、高台内，资深者还会去闻土的味道和观赏铭印。在我陈述这些部位的时候，我仿佛在分筋错骨，仿佛在打开人性的一个个暗箱，那些器物从内到外都有诸多我们看不见的皱褶。展览里的这些器物或远或近，都在构建着一个被我们忽视的空间。
但愿展览在《墙面与桌面》里的样样种种在您的观看中形成一种生活和美学和艺术之间的交缠交错，也希望您可以自行杜撰自己的艺术消费的台词。
{全文刊登完毕}
展览信息
展览
《墙面与桌面：艺术消费的生活剧场》
策展人
谢晋宇
Judy
展期
2026.4.18—2026.06.06
观展指引
开馆时间：周一至周六 14:00 - 18:00
地点
集火实验室
成都市青羊区东城拐街16号
参与方式
展览免费
撰文｜谢晋宇
拍摄｜采采屋
编辑｜小盒
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