河钟贤
阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔荣幸呈现河钟贤（Ha Chong-Hyun）于画廊的第六次个展。展览于2026年4月22日开幕，并将展至6月27日。
河钟贤 @ 阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔 展期：2026年4月22日至6月27日 20 Rue de l’Abbaye Brussels, 1050 周二至周六：早11点至晚7点
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔
2026年4月22日 — 6月27日
在现代与当代艺术的语境中，“抽象”与“具象”常被视为基础性的概念，其含义往往被不加反思地接受。韩国艺术家河钟贤的创作促使我们跳出这种简单的二分法，重新审视这两者之间的关系。在西方美学传统中，抽象与具象常被视为再现关系中的两个对立端点，其核心在于“相似性”的概念，即图像与其所描绘对象之间的相像程度。由此看来，抽象似乎脱离现实，而具象则被认为更忠实地反映现实。然而，这种区分预设了精神高于物质的本体论前提，并将图像理解为通向现实的“窗口”，而非一种具有自身存在的物质实体。
河钟贤
河钟贤
河钟贤的实践正是从根本上对这些假设提出挑战。他的作品将抽象建立在坚实的物质基础之上，通过反复的动作——拖拽、穿刺、按压——形成自身的“形象”。这种方式与欧洲“无形式艺术”（Art Informel）产生共鸣，但更重要的是，它代表了韩国“单色画”（Dansaekhwa）运动的核心实践，而河钟贤正是该运动的关键人物之一。长期以来，“单色画”常被低估，甚至被简单地视为对西方极简主义或抽象表现主义的迟滞回应或衍生形式，这种理解忽视了该运动独特的物质感知方式及其背后的社会政治环境。
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2026年4月22日 — 6月27日
河钟贤的艺术发展深受一系列历史事件的影响：童年时期经历的日本殖民统治、朝鲜战争（1950–53）、长达数十年的军事独裁（1961–87），以及其后经济复苏与快速工业化进程。这些经验不仅塑造了他的世界观，也影响了他对材料的选择，使其抽象实践始终扎根于战后韩国的社会与经济现实之中。尽管他早年曾受到“无形式艺术”的启发，但到了20世纪70年代，包括河钟贤在内的许多“单色画”艺术家开始主动探索一种具有本土特质的抽象语言，有意识地摆脱欧洲或日本艺术风格的影响。
河钟贤
河钟贤
例如，他对麻布的使用，源于物资匮乏时期用于储存美国援助粮食的麻袋。这一材料成为其标志性《联合》（Conjunction）系列的起点。该系列始于20世纪70年代初，并延续至今，其创作建立在艺术家独特的“背压法”（baeapbeop）之上，即从织物背面将颜料挤压穿过松散编织的麻布。系列名称所指向的是一种“连接”的动作：精神与行为、绘画与雕塑、二维与三维之间的动态交汇。当颜料穿透画布时，会生成一种具有雕塑性的可塑结构，其形态随压力、阻力及所用工具的不同而变化。
河钟贤
这种“连接”的动作，是理解河钟贤六十余年创作的重要线索。他的方法并非依赖宏大或英雄式的表现，而是建立在日复一日的重复与持续之上，将重心从艺术家的自我转移到材料本身。可以说，这是一种带有冥想意味的实践，但更接近现象学意义上的专注：在持续的动作中，细微的形态、肌理与表面逐渐显现。从这个角度来看，“单色画”这一艺术史标签本身具有误导性，它并非简单地将绘画还原为单一色彩，而是通过创作过程以及作品与空间、观者之间的互动，呈现出复杂而多变的色彩层次。
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2026年4月22日 — 6月27日
尽管“单色画”艺术家最初是在对当时政治体制所偏好的具象艺术作出回应的背景下走向抽象，但他们始终与本土文化传统保持着紧密联系。这一点在河钟贤早期的色彩体系中尤为明显：其灵感来自对韩国陶瓷的兴趣，尤其是朝鲜王朝的白瓷，以及传统瓦片中沉静而深暗的土色颜料。因此，他的整体创作可以被视为对色彩难以捉摸本质的一种持续而细致的探究。
河钟贤
近年来，河钟贤在《联合》系列中引入了更加鲜明的色彩，本次展览中的作品即为例证。在延续既有创作原则的同时，每件作品在色调、节奏、构图与体量感上都呈现出独特变化。这些丰富而复杂的视觉差异，源于油彩与麻布基底之间精妙的相互作用。河钟贤不断推动抽象艺术超越清晰的概念界限，引导观者进入一种直接的感知经验，在那里，精神与物质得以相遇。
文 / Pieter Vermeulen，艺术评论家、讲师、研究者及策展人
艺术家河钟贤1935年生于韩国庆尚省的小郡县山清，1959年在首尔的弘益大学获得艺术学士学位，并于2000年弘益大学授予艺术家荣誉博士学位。20世纪70年代初凭借其《联合》系列闻名，河钟贤逐渐发展出标志性技法——将颜料从麻布背面向正面挤压渗透。作为“单色画”（Dansaekhwa）艺术运动的重要代表人物之一，他始终通过材料实验与具有创新性的工作室实践，重新思考绘画的角色，并在东西方前卫艺术之间起到重要的连接作用。河钟贤致力于重塑现代艺术的表达方式，并拒绝主流学院派的创作范式。他发展出一套将需要身体参与的工作室操作转化为抽象构图的方法。在近期作品中，他进一步拓展了将三维性转化为二维平面的实践，通过探索新的方式，为色彩赋予更强的物质性与体积感。
1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。
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