阿尔敏·莱希 - 格施塔德荣幸呈现群展「静物，鲜活之形」（Still Life, Living Form）。展览已于2026年2月12日开幕，并将展至3月22日。
群展「静物，鲜活之形」
@ 阿尔敏·莱希 - 格施塔德 展期：2026年2月12日至3月22日 Chalet Wilibenz Bahnhofstrasse 1, 3780 Gstaad, Switzerland 每一至周日上午11点至下午6点
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德
「静物，鲜活之形」
2026年2月12日至3月22日
静物与人物或许是最为亲密的艺术母题。它们往往取材于艺术家最切近的生活环境，通过对日常之物与人物形象的凝视与描绘，将转瞬即逝的片刻凝固为永恒。在《自然史》（Natural History）中，古罗马学者老普林尼（Pliny the Elder） 将第一位艺术家称为“科林斯少女”（the Corinthian Maid）——一位在恋人远行前，将其投影描摹在墙上的年轻女子。这种保存与留存的本能，在数个世纪以来的静物与人物画传统中清晰可见。
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德
「静物，鲜活之形」
2026年2月12日至3月22日
当静物与人物彼此交汇、融合，艺术的可能性亦由此展开。谈及让-巴蒂斯特-西梅翁·夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin）的室内静物构图时，马塞尔·普鲁斯特（Marcel Proust） 写道：“这并非对特殊天赋的炫示，而是对其生命中最亲密之物的表达……他的作品召唤的是我们的生活；它所触及的，正是我们的生活……贴近事物的核心。”本次展览呈现的作品涵盖绘画、雕塑、陶瓷与纸上作品，时间横跨20世纪初至当下。它们共同逼近“事物的核心”，揭示这些恒久形式所蕴含的激进潜能。
尽管静物的历史可追溯至古希腊罗马时期，但其真正作为独立体裁兴盛，则是在16至17世纪的荷兰与佛兰德绘画传统中。随后，这一题材在学院体裁等级中逐渐被贬至末席，一度式微。19世纪末印象派的兴起，则为静物与人物画带来复兴，并推动了具象艺术的革新。艺术家强调技法本身，以及对氛围、时间与色彩的描绘，而非题材的高低之分。皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir） 的《花瓶中的银莲花》（Anémones dans un vase）正体现了他对光线与构图的关注，通过形状与色彩的编排，营造出欢愉而富于动感的画面。
巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso） 将静物与肖像推至先锋艺术的前沿。他通过对形体与空间表现方式的持续实验，使两种体裁达到新的高度，并在不同阶段反复回到相同主题，以多样风格与媒介加以演绎。《鱼与刀的静物画》（Nature morte aux poissons et au couteau）展示了他将最简单题材提升至高度形式语言的能力，而《左侧女子肖像（玛丽-特蕾丝）》（Profil gauche de femme (Marie-Thérèse)）则以寥寥数笔精准而富表现力的线条，呈现出对人物神似的把握。
在20世纪中期的美国艺术语境中，汤姆·威瑟尔曼（Tom Wesselmann） 做出大胆选择。在抽象艺术盛行的背景下，他坚持具象创作，并宣称“我的题材是艺术史本身”。然而，他并非重复过去，而是以当代方式更新传统视觉模式。他的作品探讨战后消费主义、爱国主义与美的观念。《金鱼与玫瑰的静物画》（Still Life with Goldfish and Rose）向其深为仰慕的亨利·马蒂斯（Henri Matisse） 致意；而费尔南多·博特罗（Fernando Botero） 的雕塑《静物》（Naturaleza muerta）则以标志性的“Boterismo”夸张体量与比例，重释古典静物的沉稳气质。
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德
「静物，鲜活之形」
2026年2月12日至3月22日
威瑟尔曼的《小尺幅伟大的美国裸体 #23（Little Great American Nude #23）》连接多重艺术传统，既呼应恩斯特·路德维希·基希纳（Ernst Ludwig Kirchner） 的斜卧裸女形象，也引用亨利·卢梭（Henri Rousseau） 的花束意象。这件作品既具指涉性，又面向未来，通过拼贴手法展现现代感。欲望、权力与美的主题，在珍妮特·蒙特（Jeanette Mundt） 的《奥林匹亚》（Olympia）中亦有所回响。
20与21世纪艺术的一项重要进展，是女性声音的不断壮大。女性长期作为被描绘的对象，却为作为创作者争取平等地位付出巨大努力。女性主体性的引入，使女性形象的呈现焕发新生。其中的重要人物之一是玛丽亚·拉斯尼格（Maria Lassnig）。她提出“身体意识绘画”（Körpergefühlmalerei）的概念，以身体感知为创作基础。《银色茶具／生日画》（Silbernes Teeservice/Geburtstagsbild）》与《画布之内与之外（一）》（Innerhalb und außerhalb der Leinwand I）见证了她大胆而具身的艺术风格。
当代艺术家则试图呈现女性形象的心理复杂性。伊娃·尤斯凯维奇（Ewa Juszkiewicz） 挑战历史肖像中对女性的刻板描绘，在暴露与遮蔽之间制造张力；克莱尔·特伯莱（Claire Tabouret） 以荧光底色下的人物形象直面观者。杰西·瓦利斯（Jess Valice） 的静物呼应夏尔丹的传统，具有强烈的内在张力，而其肖像作品如《布列塔尼》（Brittany）则呈现出直率的情感表达。
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德
「静物，鲜活之形」
2026年2月12日至3月22日
伊内斯·隆格维亚尔（Inès Longevial） 的人物常饰以花卉，将静物母题融入肖像之中，创造出丰盈而感性的画面。法拉·阿塔斯（Farah Atassi） 亦在体裁之间游走，在《海滨与柑橘》（Seaside with Citrus）与《阅读者》（The Reader）中，将与静物密切相关的水果置入风景与室内场景。
步入超现实的领域，亚力山卓·卡德纳斯（Alejandro Cardenas） 与顾幸子（Xingzi Gu） 构筑梦境般的场景，将象征与幻想引入具象表达；布莱恩·卡尔文（Brian Calvin） 则以大尺幅、扁平化的面孔探讨人物与其周遭空间之间的关系。在这些作品中，肖像成为一种推想性的结构，将人物重塑为角色，生成富于想象力的图景。
汉斯·欧普·德·贝克
《虚空（第十五种变体）》2017
石膏、木材、钢材、涂层与聚酯纤维
75 x 65 x 43 cm
汉斯·欧普·德·贝克
《虚空（第十五种变体）》（细节）2017
石膏、木材、钢材、涂层与聚酯纤维
75 x 65 x 43 cm
在荷兰绘画黄金时代，艺术家重新发掘古罗马“Vanitas”母题（“虚空”或“虚荣”的拉丁语，是17世纪荷兰静物画主题，以骷髅、枯花等象征生命短暂与世俗虚幻），以寓意形式讨论生命的短暂与世俗欲望的虚妄。比利时当代艺术家汉斯·欧普·德·贝克（Hans Op de Beeck） 以日常物件——鞋子、水果、报纸——以及燃烧的蜡烛，重新诠释这一恒久主题，象征生命的流逝。蜡烛同样出现在诺特·维塔尔（Not Vital） 的《自画像》（Self-portrait）中。在肖像与静物的交汇处，这一闪烁而神秘的形象既是烛火，也是艺术家自身的肖像，更是其时代所作的幽微“死亡纪念”。
诺特·维塔尔
《自画像》2024
布面油画
120 x 80 cm
如果本次展览能够说明一件事，那便是人物与静物这一母题在2026年依然具有持久的生命力。无论在抽象还是具象语境中，这一主题都如同在1915年或1984年一样，持续激发艺术创作的可能性。艺术家们将不断深入这一传统题材，在其中寻找并塑造属于自身的意义表达。
文 / Louisa Mahoney，研究员
阿尔敏·莱希（巴黎 | 纽约 | 布鲁塞尔 | 上海 | 摩纳哥 | 伦敦）
1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。
点击阅读原文，进入阿尔敏·莱希官方网站