于 2026 年 1 月 16 日启幕的群展 Enchanted by Light｜光之所栖，以一周的展期在洛杉矶完成了一次关于“光”的深度凝视。展览并未将“光”视为单一的视觉对象，而是将其作为一种介于物理与精神之间的存在状态——它既是照亮世界的能量，也是一种不断变形的感知机制；既是被观看的对象，也塑造着我们如何观看。
在《光之所栖》的展览语境中，光并不以绝对明亮的姿态出现。它可能藏于透明材质之中，潜伏于渐变色阶之间，回荡在影像的边缘，或隐匿于记忆与身体经验的深处。整场展览更像是一次关于可见与不可见、显影与隐匿、存在与游移的集体思考。
这一主题在 Soojung Park的作品中体现得尤为细腻。她以墨水在亚克力板上进行创作，线条被刻写进半透明的表面，在光线穿透时呈现出层层叠合的视觉结构。作品中的痕迹不可逆转，每一条线都成为时间的证词。当观众在展厅中移动时，光影随之改变，作品也不断生成新的状态，使“观看”本身成为作品的一部分。
光与物质的关系在 Sammi C Wong的陶瓷雕塑中被重新书写。她将长期摄影实践中对色彩与氛围的敏感转化为立体语言，让光在陶土肌理上停留、滑落与消散。作品不依赖直射的明亮，而是通过阴影与反光的微妙变化，制造出情绪的回声，使光成为一种触觉化的存在。
关于“介于之间”的讨论，在 Zengjie Chai的绘画中得到了更为明确的回应。他以个人经验与 queer autotheory 为基础，通过渐变色彩的模糊边界构建一种不属于 A、亦不归于 B 的空间状态。色彩在画面中并非被清晰区分，而是在流动中不断交融，形成一种关于身份、归属与迁移的隐喻性地景。
叙事性的温柔则出现在 Weiyi Li的插画系列《Reinald’s Daily Life》中。作品描绘了一位木匠在日常创作中的片刻时光，小小的星形精灵在画面中穿梭，赋予孤独的工作空间以光的陪伴。这里的光不再是外在照明，而是一种心理层面的安慰，温暖而克制。
年仅十五岁的艺术家 DouPu｜豆菩 以极其敏锐的感知力，将光视为流动的能量而非视觉现象。她的多幅绘画作品结合自然材料、色铅与丙烯颜料，构建出近乎冥想般的画面节奏。她以直觉回应世界，将自然、女性意识与身体感知融为一体，使光成为连接生命循环与内在意识的媒介。
在 Zhongqing Jin｜金青中 的《Phantasm Series》中，光被引入数字时代的精神语境。作品源于建筑学与卫星影像研究，通过数字重构形成抽象而具有神话气息的地景。色彩如同被折叠的光谱，在现实与幻象之间游移。其作品既指向技术媒介的时代现实，也回溯人类对自然与宇宙的原初想象，使光成为连接远古与当代的视觉语言。
设计与空间维度则由 Shraddha Ghuge的装置作品展开。《reDO》以回收纸板椅与影像投射构成，光线激活了材料的结构记忆，使日常物件在投影中获得新的生命状态。其合作作品《ExoCellar》以不锈钢与亚克力构建出半透明的“义体式空间”，让光不再只是附着于作品表面，而成为结构本身的重要组成。
Hannah Huntley的雕塑作品《Mother Moon》以月亮意象为线索，结合树脂与颜料构成具有仪式感的形体。作品在光线下呈现出柔和而循环的节奏，象征着母性、时间与情感的回归。在展览语境中，它如同一枚安静的光源，提示着照亮并非来自爆发，而源于持续。
当展览落幕，真正被带走的并非光的亮度，而是一种回响——提醒我们，光不仅存在于空间之中，也潜伏于每一次凝视与共感之间。
