琼·斯奈德
Joan Snyder
“大地之歌”
Earthsongs
展出时间
2026年6月6日—7月25日
展览地址
Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑
《我心之墙》，2025年
布面油画、丙烯颜料、纸浆、布料、树枝、干树叶、
墨水、纸、彩色铅笔，152.4 × 182.9 cm
Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑画廊荣幸呈现琼·斯奈德（Joan Snyder）在法国的首次个展“大地之歌”（Earthsongs）。这些创作于过去一年的全新绘画和纸上作品，延续并深化了艺术家六十年艺术生涯中贯穿始终的理念与母题。这些作品在空灵与厚重之间共存，在超然与肺腑之间摆荡，再度印证了斯奈德作为一种抽象视野先驱者的地位：她的抽象创作既辽阔无边、又深刻私密。
琼·斯奈德，“大地之歌”，展览现场，2026年，Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑。摄影：Nicolas Brasseur。
斯奈德在抽象与自传之间发展出了一种协同关系，每件作品都构成一则日记式的片段，由叙事引领形式的探索。她的创作自诞生之初便带有鲜明的女性主义色彩，植根于她作为1970年代女性艺术运动核心人物的身份。她将女性的生命经验转化为一套复杂而私密的形式语汇，并不断回归其中：玫瑰与乳房，树木与图腾，池塘与月亮。在“大地之歌”中，这套被重新诠释的女性语言也在材料层面得以呈现。通过一系列混合媒介，自然与人造在作品中相遇：细枝、干花、泥土与稻草，与蕾丝和丝绒的碎料、亮片和塑料珠层层叠加。
《灵魂挽歌》，2025年
布面油画、丙烯、纸浆、干花、墨水、纸，配4英寸木架
139.7 x 274.3 x 10.2厘米
这种密集的拼贴手法既暗示了生命本身复杂的肌理，也捕捉了作家蕾切尔·卡斯克（Rachel Cusk）在展览伴随出版的图录中所称的"未被记录的女性存在的物质性"。如今已86岁高龄，斯奈德的作品比以往任何时候都更具累积性，那些满载层次的画面同时承载着情感、记忆和容身其间的重量。
琼·斯奈德，“大地之歌”，展览现场，2026年，Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑。摄影：Nicolas Brasseur。
自1970年代起，斯奈德便开始在画布上书写文字，数件展出作品中可见那执拗且疾呼般的手写笔迹。斯奈德对文学怀有深切的热忱。在《我心之墙》（2025年）中，她书写了弗吉尼亚·伍尔夫《海浪》（1931年）中的一句引文："当心灵的墙壁变得纤薄"。伍尔夫小说中的这段描写，传达了内在世界与外在世界之间的渗透性；这种感受在斯奈德的作品中触手可及：她将自然塑造为承载最根本人类经验的表达载体。正如卡斯克所写：“我们属于这个世界，这些作品似乎在诉说。”而《亲爱的以利亚》（2026年）则以斯奈德自己的草书起笔，宛如一封信——信这一形式本身便传递着关怀与传承的意涵——继而过渡到一段以大写字母写就的律动式枚举："花朵、歌声、灵魂……"。这种列举的行为将画布转化为一处汇聚之所，又犹如一面语言之镜，反映着作品中的物质积累。
《我心之墙》，2025年
布面油画、丙烯颜料、纸浆、布料、树枝、干树叶、墨水、纸、彩色铅笔，152.4 × 182.9 cm
拼贴的粗麻布、织物与纸浆补丁散布于画布之上，局部鼓胀成三维的囊袋形态。这些形体如同容器，盛放并托抱着种子、干花与颜料的池塘。在大尺幅绘画《森林化为交响》（2025年）与《灵魂挽歌》（2025年）中，木质搁架从画布底部探出，令人联想到画架。这些搁架自1990年代起出现于她的作品中，作为色彩与物质的储藏之所，赋予绘画一种神龛般的气质与雕塑般的存在感。抽象化的半树半十字架形态在这批最新作品中反复出现，双联画与三联画的形式亦贯穿其中；这些格式令人联想起早期基督教祭坛画的传统，将绘画描绘成一种虔诚的宗教行为。斯奈德在1960年代末为其艺术硕士论文写道："我的绘画就是我的宗教。它是我前往的祭坛，在那里我面对自己，发现我是谁。"
琼·斯奈德，“大地之歌”，展览现场，2026年，Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑。摄影：Nicolas Brasseur。
这批新作深深植根于艺术家的"田野"系列绘画。该系列诞生于1980年代中期，起因于斯奈德从纽约迁居至更为乡野的环境后所邂逅的农耕风景。她以铺满画布的方式，营造出一片创作空间，在其中播撒图像、色彩和笔触，将形式上的实验与神话般的、个人层面的循环往复的理念融合在一起。在这些繁花似锦的田野中，调色板在紫红色和红色所展现的鲜艳而浓烈的色彩，与苔藓绿和亚麻色拼贴稻草的柔和色调之间交替变换：这些对比暗示着生死的轮回、易逝与再生。亚麻布天然的棕褐色使其可以保持未涂绘的原色，有时仅轻染上色斑，仿佛是一种质朴的大地般的存在。正如艺术家自己所言："我始终追求清晰、纯粹与本质，却从未愿意牺牲那种仪式感，和对深沉、丰盛、厚重与幽暗的需要。"
《大地之歌》，2025年
布面油画、丙烯颜料、纸浆、泥浆、墨水、纸, 142.2 × 248.9 厘米
自斯奈德在20世纪70年代初创作出备受赞誉的“笔触”系列绘画，开始剖析这一最基本的绘画姿态以来，笔触便一直是她作品的核心主题。在《大地之歌》中，笔触以画布上生动的断奏式点彩，以及纸本上绵延迂回的水墨与水彩线条呈现。在一件展出的纸本作品中，斯奈德将蘸满焦黑浓墨的画笔按压于纸面，留下令人联想到轮胎痕迹的印记；这一姿态既粗粝又纤细。这些笔触常常如同碎片化的乐谱，为我们与作品的相遇定下节奏。我们像阅读颂歌一般，将作品解读为对生命本身的赞歌，悲喜交集。正如其名，展览“大地之歌”在苦乐交织的生命之美中点燃了一种欢腾的喜悦：它践行了卡斯克所描述的"对自我存在于世的纪念"。
展览将配有图录，收录作家蕾切尔·卡斯克的文章，以及琼·斯奈德2019年的文本《女气》（Femalish）。
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关于艺术家
琼·斯奈德肖像，摄影：Lauren Fleishman。
60年来，美国艺术家琼·斯奈德通过绘画、手稿和版画，重新构想抽象画的叙事潜力。70年代初，她的“笔触画”首次获得广泛认可，这些画作剖析了最基本的绘画姿态：笔触。她将个人叙事融入抽象画作，为其注入活力，有意对抗当时在纽约艺术界盛行的极简主义、抽象表现主义和色域绘画等以男性艺术家为主导的艺术传统。她说：“我希望在绘画中获得更多，而不是更少。我想讲述故事，它有开头、中间和结尾......我想做一些不同的事，一些更强烈、更个人化和更复杂的事。”
她构建了一套反复出现的个人主题艺术词汇——从玫瑰和乳房，到池塘和泥巴、图腾、尖叫的脸、葡萄、涂鸦文字、樱桃树和月亮、南瓜和向日葵，推动绘画形式的可能性的同时，通过拼贴材料的叠加，发展出绘画复杂的物质性。斯奈德对抽象画的严格审视以她的女权主义观念为基础，她以“女性身体的本质感受”为中心，为当代美国绘画开辟了全新的领域。
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