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多图 | 米兰设计周之布雷拉:31个展览挤进一条街,设计周最密的地方

 作者：本站编辑  2026-04-24 12:54:36  0

布雷拉（Brera）不是一个适合赶路的地方。这个米兰老街区在设计周期间集中了超过200家永久性展厅和300多个临时装置，几步路之间就能从一场古典宫殿展览穿越到一个当代品牌的沉浸式体验。今年，时尚大牌深度入场，但设计、工艺、材料的力量同样不减——两种语言在同一条街上平行流动，互不干扰，又彼此映照。

▲ 布雷拉街区

布雷拉设计周还推出了“Fuorisalone Passport”通行证：一次注册，用二维码进入多个活动，省去每场重新报名的麻烦。

血清素装置：布雷拉美术宫的心跳

从布雷拉美术宫（Pinacoteca di Brera）一楼回廊开始——萨拉·里恰尔迪（Sara Ricciardi）为美国运通（American Express）创作的“Serotonin——幸福的化学”（Serotonin – the chemistry of happiness），把“快乐荷尔蒙”翻译成了一个不断变化的空间。充气形态膨胀又收缩，光线和色彩以近乎不易察觉的方式波动，一条接近呼吸和心跳频率的声轨贯穿全程。你走过它，没有必须停下的点，只靠这些微小变化构成一段非常身体化的体验——更多是感受，而非观看。

▲ Serotonin装置

乌兹别克斯坦来了：杏花盛开时的手工艺

帕拉佐奇泰里奥（Palazzo Citterio）今年迎来了一个意想不到的客人：乌兹别克斯坦艺术与文化发展基金会带来的展览“当杏花盛开”（When Apricots Blossom），由美国建筑师库拉帕特·扬特拉萨斯特（Kulapat Yantrasast）策展。展览从咸海的消亡历史出发，展示了与当地工匠合作开发的物件——面包印章、陶瓷、纺织品，每一件都在传统技艺和当代设计语言之间寻找平衡。花园里搭建了一座轻盈的游牧毡房（Yurta）现代诠释版本，全周开放工作坊和对谈活动。

▲ 乌兹别克斯坦展览

迪奥在宫殿里点灯

在博尔戈努奥沃街25号的兰德里亚尼宫（Palazzo Landriani），迪奥家居（Dior Maison）与法国设计师诺埃·迪绍弗-劳伦斯（Noé Duchaufour-Lawrance）合作，呈现新系列便携式台灯“Corolle”。这款灯的名字取自迪奥“新风貌”（New Look）的标志性廓形——那条宽大蓬松的裙摆。灯罩以穆拉诺玻璃工匠口吹传统工艺制作，模仿织物的褶皱和垂坠感，形态柔和轻盈。另一组作品则以日本毛竹（Madake）纤维编织而成，纹理参考了藤条图案，投影在墙上形成一整片光影图案。设计师本人这样描述：“光的投影和材质本身同等重要——那些反射让光本身变成了物质。”展览的装置背景灵感来自迪奥先生童年时代的避暑别墅花园，整个空间弥漫着某种安静的私人回忆感。

▲ 迪奥家居

古驰占领修道院

今年布雷拉最引人注目的装置之一，是古驰（Gucci）在圣西姆普利恰诺修道院（Chiostri di San Simpliciano）呈现的“Gucci Memoria”，由创意总监德姆纳（Demna）策划。展览核心是十二幅大型挂毯，串联起古驰从古乔·古驰（Guccio Gucci）创立品牌至今的百年叙事，每一幅都是一个时代切面。修道院花园以经典的Flora图案为灵感重新布置，绿意与印花交织；最出人意料的是角落里特别设计的自动贩卖机——这个细节既有趣又带点当代讽刺意味，把博物馆式的严肃氛围戳出了一个缺口。

▲ 古驰Memoria

Flexform：物件的私密生活

在圣安杰洛修道院（Chiostro Sant'Angelo），意大利家具品牌Flexform用“物件的私密生活”（The Private Lives of Objects）呈现户外家具系列。回廊、庭院和自然光构建出场景，沙发和座椅与既有建筑对话——阴影区和开放口之间，修道院本身成了项目的一部分，而非单纯背景。展览继续延伸至莫斯卡瓦街（via della Moscova）旗舰店的室内部分，安东尼奥·奇特里奥（Antonio Citterio）、帕特里克·诺尔盖（Patrick Norguet）、福武史（Fumie Shibata）、塞巴斯蒂安·赫克纳（Sebastian Herkner）和莫妮卡·阿玛尼（Monica Armani）等设计师的签名作品集中亮相。

▲ Flexform户外系列

塔奇尼的材料诗

在卡萨塔奇尼（Casa Tacchini），费伊·图古德（Faye Toogood）的“材料选集”（Material Anthology）从材料出发，而非物件——她深入公司档案和工坊，将边角料、样品和原材料转化为一组穿行于展厅各室的雕塑。大理石纹理、多节木材、金属与再加工表面构成一间间不同氛围，形状常常不变，但感知完全改变，因为决定这一切的是材料。展厅里还出现了图古德为塔奇尼设计的“Butter”座椅系统的最新演化版本，与这片材料风景直接对话。

▲ 塔奇尼材料

凯歌香槟追逐太阳

圣特雷莎媒体图书馆（Mediateca Santa Teresa）被“追逐太阳”（Chasing the Sun）改造成一个围绕光线、色彩和欢聚的沉浸空间。装置由英裔尼日利亚艺术家尹卡·伊洛里（Yinka Ilori）为凯歌香槟（Veuve Clicquot）设计——他的视觉语言辨识度极高，图案、符号和明艳色彩全部呼应太阳与能量。“追逐太阳”是一首关于温暖的凝聚、光的转化、日常相遇中诞生的快乐的颂歌。旁边还设有Clicquat Café和主题精品店。

▲ 凯歌香槟

巴卡拉水晶地宫

巴卡拉（Baccarat）带着“水晶地宫”（Crystal Crypt）重返设计周。设计师埃玛纽埃尔·卢恰尼（Emmanuelle Luciani）把空间变成了一座“银河大教堂”——“我把工坊想象成一个时间气泡，一座由跳舞的工匠居住的大教堂飞船。水晶地宫由此诞生，混合了运动、电影、舞台设计和声音：一个替代时间的结晶。”巴卡拉CEO劳伦斯·尼古拉（Laurence Nicolas）补充道：“米兰是我们的遗产与新的表达形式对话的地方。”品牌还展示了与贝桑·劳拉·伍德（Bethan Laura Wood）合作的新作“Mille Fleurs”——对经典Zénith吊灯的模块化、彩色重新诠释。

▲ 巴卡拉水晶地宫

卡尔·汉森：韦格纳的日常

在索尔费里诺街11号三楼的一间公寓里，丹麦品牌卡尔·汉森（Carl Hansen & Søn）打造了布雷拉最私密的展览之一。“平衡的原则——韦格纳的视野”（Balanced Principles – Visions of Wegner）将设计师汉斯·韦格纳（Hans Wegner）的作品置于真实居住空间中——有人住的房间、正在使用的家具，经典款和新版交替排列，让韦格纳的工作回到日常维度，更接近生活而非展览。

▲ 卡尔·汉森韦格纳展

爱马仕的字母表

爱马仕（Hermès）回到拉佩洛塔（La Pelota），由建筑师范妮·马科·佩雷尔曼（Charlotte Macaux Perelman）和亚历克西·法布里（Alexis Fabry）操刀布展。一座由木质结构和浅色表面构成的抽象城市，制造出透视、通道和停顿。物件不是孤立的，而是像空间中的点一样分布，勾勒出一张不断变动的家居地理。中心是英国设计师爱德华·巴伯（Edward Barber）和杰伊·奥斯杰比（Jay Osgerby）设计的Stadium餐桌——一块椭圆形大理石，呼应马术世界，路线理想地围绕它展开。新家居系列围绕金属锤纹、皮革、木材和织物的对比展开——光泽与哑光、冷与热——让品牌的手工艺姿态浮现出来。

▲ 爱马仕

克拉科尔的生命剧场：色彩建造的城市

纳塔莉·杜帕斯基耶（Nathalie Du Pasquier）和乔治·索登（George Sowden）为克拉科尔（Kerakoll）创作的“生命剧场”（Teatro della Vita），是一座用色彩搭建的小城市。红、蓝、黄，对比鲜明，不装饰而是定义空间——环境、通道、停顿全靠色块区分。灵感来自1984年的“一座小城的提案”（Proposition pour une petite ville），现藏于巴黎蓬皮杜中心。色彩在这里主导一切：改变感知，缩短或延长距离，让每个空间都不同于前一个。效果非常直接——没有渐变，没有过渡。项目同时也是对Kerakoll Colors超过1500种色调色卡的实战测试。

▲ 克拉科尔生命剧场

穆蒂纳之家：竹编与感知实验

在卡萨穆蒂纳（Casa Mutina），陶瓷品牌穆蒂纳（Mutina）展示2026新系列。其中“编织”（Weaving）由如恩设计研究室（Neri&Hu）设计，从竹编出发，瓷砖构建出三维纹理——轻盈却极具结构感，让墙面变成有节奏的、近乎织物般的表面。另一系列“Hé”同样出自如恩，重新诠释中式餐桌仪态形态；还有与约瑟夫&amp；安妮·阿尔伯斯基金会（Josef & Anni Albers Foundation）合作的“致敬方块”（Homage to the Square），把色彩变成感知实验场。

▲ 穆蒂纳展厅

马格拉夫的大理石住宅：从地表往下挖

汉内斯·皮尔（Hannes Peer）为马格拉夫（Margraf）设计的“大理石住宅”（La casa di marmo）是今年设计周最激进的干预之一。这不是一个贴了大理石的空间，而是一个完全由大理石生成的环境——结构、表面和光线统一于一种材料。沿着螺旋楼梯下行，逐步将城市抛在身后，进入一个矿物宇宙：看起来像是被挖掘出来的，而非建造的。墙壁、地面和天花板从同一块致密岩体中浮现，缟玛瑙、石英和半透明石材在精心校准的照明下从内部发光。路径展开为一个序列——庭院、厨房、下沉式谈话区、卧室——每个空间有各自的强度，但始终保持在同一种材料一致性中。大理石不再是饰面，它变成了空间、氛围、体验。

▲ 马格拉夫大理石住宅

精工的“时间自然”

在城堡画廊（Galleria Il Castello），日本腕表品牌Grand Seiko用“时间的自然”（The Nature of Time）构建了一条关联艺术、材料与钟表精密度的路径。项目邀请三位日本艺术家——真篤新藤（Atsushi Shindo）、高原河原（Takakuni Kawahara）和阿部慎吾（Shingo Abe）——围绕时间与自然的关系创作：新藤用光与层叠，高原把和纸带入物理和材料维度，阿部通过视频和计算机图形构建图像叙事。

▲ Grand Seiko展厅

伊索的光工厂：一万只瓶子折射的教堂

澳大利亚建筑师罗德尼·埃格尔斯顿（Rodney Eggleston）为伊索（Aesop）设计的“光工厂”（The Factory of Light）在圣玛丽亚德尔卡明教堂（Santa Maria del Carmine）展开。从最简单的手势开始——洗手，就像走进伊索门店一样——然后穿过四个讲述加工阶段的房间：从车床加工的金属到口吹玻璃，直到最终组装。路径的高潮在圣器室：一面由超过一万只回收瓶身组成的巨面折射光线，把历史空间彻底改头换面。中心是伊索内部团队设计的新灯具系列Aposē——铸铜、口吹玻璃，散发出品牌门店特有的温暖漫射光。

▲ 伊索光工厂

迪尔莫斯的拟态：木如藤、石如木

在迪尔莫斯画廊（Dilmos），“拟态”（Mimesis）把荷兰设计师昂诺·阿德里安塞（Onno Adriaanse）和意大利艺术家瓦莱里亚·瓦卡罗（Valeria Vaccaro）的作品放在同一个空间。布景由Verderame设计，搭建出金属网格上嫁接苋菜和叶片的悬空与地面植物结构，像生长中的有机体。阿德里安塞用木头创作，家具像攀缘植物一样在空间中蔓延；瓦卡罗从大理石出发，把它处理到像风化旧木头——表面看起来轻盈脆弱，实则坚固。

▲ 迪尔莫斯拟态展

朱苏尔：沙特设计师的“桥梁”

同一栋布雷拉美术宫，一楼集会厅（Sala delle Adunanze）里，“朱苏尔设计收藏”（Jusoor Design Collections）是完全不同的项目。策展人萨梅尔·亚马尼（Samer Yamani）汇集了在利雅得、新德里、加德满都和巴塞罗那之间发展的一系列合作——玻璃与金属灯、纺织座椅、雕塑物件，每件都是设计师与工匠共同工作的产物。主题由标题暗示：“桥梁”——每一件作品连接不同材料、技法和文化参照，“制作”——加工、材料、过程——始终处于前景。

▲ 朱苏尔设计收藏

glo的“你自己的宇宙”

在莫斯卡瓦宫（Palazzo Moscova），品牌glo和色度数集体（Numero Cromatico）合作的“你自己的宇宙”（Y.O.U. – Your Own Universe）围绕一个巨大的橙色圆形门廊运转——它是一道门槛，穿过之后，光、色彩、声音和文字构成一个开放系统。表面、词语和色度振动对观众的在场作出反应，不断变化。装置正是通过穿越它的人获得形态——介于个体与集体维度之间。

▲ glo的Y.O.U.装置

建筑思维：表面如何定义空间

费代丽卡·萨拉（Federica Sala）为Broadview Materials集团策划的“建筑思维”（ArchiThoughts – ArchiTouch）在菲尼克斯场景（Fenix Scenario）空间中展开。布景由(AB)NORMAL工作室设计，棋盘格地面、反射表面和一组裸露电缆穿越空间，如同连接网络。六座微建筑由马里翁·梅朗德（Marion Mailaender）、Parasite 2.0、RedDuo Studio、STORAGEMILANO、GGSV和ZIMMER设计——介于家具与结构之间的物件，在小尺度上重新定义空间。最后，一间材料库把项目的物理维度明确化——层压板、饰面和纹理在真实体积中接受考验，看也行，摸也行。

▲ 建筑思维

缪托：归属的艺术

索尔费里诺街11号，与卡尔·汉森同楼，丹麦品牌缪托（Muuto）用“归属的艺术”（The Art of Belonging）占据了另一间公寓。房间围绕日常动作设计——进门、共处、做饭、放慢——物件、书本和细节刻意留在视线内。项目围绕“当代舒适”展开：柔软材料、温暖光线、饱满但不侵入的色彩。其中，Studiopepe设计的模块化沙发“Coltre”引人注目——绗缝表面让它看起来更像织物而非填充家具。

▲ 缪托展厅

萨尔瓦托里：金脉大理石

同一地址的萨尔瓦托里展厅（Salvatori Showroom），天然石材专家以“以金为基”（Founded in Gold）为核心，围绕“金色黎明”（Albe d'Or）大理石展开——一种带有金色纹理的稀有石材，被品牌独家重新发掘。银灰底色穿过的金色条纹随光线剧烈变化：表面、覆面和环境都为凸显这种感知关系而建。使用这种材料的系列包括帕特里夏·乌尔基奥拉（Patricia Urquiola）的“The Small Hours”、埃丽莎·奥西诺（Elisa Ossino）的覆面系统“Tratti”和卫浴系列“Baia”，以及同样由奥西诺设计、与Fantini合作开发的新水龙头系列“Margherita”。

▲ 萨尔瓦托里展厅

R6003工作室的“套间”

MetroQuality展厅里，建筑师米凯拉·奥利瓦（Michela Oliva）创办的R6003工作室设计了“套间”（The Suite）——一间公寓场景，材料和表面被放置在可居住而非演示性的语境中。按空间而非孤立元素组织：房间序列让产品和饰面在实际使用中被阅读，没有炫目效果，全是真实尺度。

▲ MetroQuality套间展

潮汐：头顶上方的呼吸天花板

同一地址的另一惊喜：习惯设计工作室（Habits Design）的“潮汐”（Marea / Tide）是一座悬在观众头顶缓缓移动的结构，像一顶不断变形的天花板。充气反射模块下降、上升、彼此靠近，根据下方发生的事做出反应。你停下，空间收拢；更多人到来，表面打开，重新绘制。效果非常身体化，尽管这座运动雕塑近乎无重量——它让空间的流动和密度变得可见。

▲ 潮汐装置

莫罗索的几何：布料上画好的光与影

莫罗索（Moroso）在科隆博画廊（Colombo's Gallery）集中了设计周最实验的部分：瑞典工作室Front的安娜·林德格伦（Anna Lindgren）和索菲亚·拉格奎斯特（Sofia Lagerkvist）创作的“几何”（Geometriæ）。座椅从基本几何体——立方体、球体、圆柱——出发，但真正令人驻足的是表面：提花织物中已“画好”的光影，独立于真实空间的光线。结果是一种微弱的不稳定感，仿佛绘制而成——体积根据观看角度而变。莫罗索旗舰店同期还有帕特里夏·乌尔基奥拉（Patricia Urquiola）布展的“I feel space”。

▲ 莫罗索几何展

萨拉的“平静”：设计周里的温泉

光看名字就知道了。“平静”（Calma）是设计周里的一处停顿，地点——森皮奥内公园（Parco Sempione）内的阿皮亚尼小楼（Palazzina Appiani）——也成全了这种气质。萨拉（Zara）不再纠结家居产品的定义，而是构建了一个更接近节奏和时间、而非陈设的空间。中心是主厅，一切浓缩于此——不是一个快速穿过的空间，而是要待上几分钟的地方。周围，路径按序列展开——入口、走廊、凉廊——一种缓慢递进，隐约呼应温泉意象，但不过分点明。外面是公园，里面是安静的内聚空间，与城市那几天的喧嚣几乎形成反差。

▲ 萨拉Calma展

菲耶梅三千的“结”：木头是结构，也是身份

在ADI设计博物馆错过“结”（Nodi）展的人，可以在菲耶梅三千（Fiemme Tremila）展厅看到精简版。这个项目是特伦蒂诺木材产业链企业与设计师之间的实验室——“结”成为生产知识、材料文化和当代设计之间的连接点。洛伦佐·帕尔梅里（Lorenzo Palmeri）的声学扩散器“Voce”、拉法埃拉·曼贾罗蒂（Raffaella Mangiarotti）的45GRADI凳子、莫妮卡·格拉费奥（Monica Graffeo）的Restel储物箱、洛伦佐·达米亚尼（Lorenzo Damiani）的Street Bed Unit微建筑——木头始终是同一根线：不只是材料，而是结构、行为、身份。

▲ 菲耶梅三千Nodi展

双重签名：意大利大巡礼

艺术家之家（Casa degli Artisti）上演“双重签名”（Doppia Firma）——科洛尼基金会（Fondazione Cologni）和Living杂志发起、米开朗基罗基金会（Michelangelo Foundation）支持的项目，让当代设计与高级手工艺相遇。2026年的主题是“意大利大巡礼”（Grand Tour in Italia），十二组国际设计师与意大利艺术大师的合作，把根深蒂固的传统推向意想不到的结局。参展设计师包括安德烈亚·阿纳斯塔西奥（Andrea Anastasio）、亚瑟·阿贝瑟（Arthur Arbesser）、萨姆·巴伦（Sam Baron）、康斯坦斯·吉赛（Constance Guisset）、乌戈·拉皮耶特拉（Ugo La Pietra）、马坎托尼奥（Marcantonio）、保拉·纳沃内（Paola Navone）、埃丽莎·奥西诺（Elisa Ossino）、克里斯蒂安·佩利扎里（Christian Pellizzari）、萨拉·里恰尔迪（Sara Ricciardi）、罗伯托·西罗尼（Roberto Sironi）和克拉拉·冯·茨韦格贝格克（Clara von Zweigbergk）。布展由亚历山德拉·萨拉里斯（Alessandra Salaris）完成。同场还可看“Arts & Crafts & Design”平台，汇聚科洛尼基金会、米开朗基罗基金会、塞拉皮安（Serapian）和创意学院（Creative Academy），强化共享文化产业链的理念。

▲ 双重签名

库普拉的三个舞台

库普拉（Cupra）今年分身三处，全在科索科莫（Corso Como）和四月二十五日广场（Piazza XXV Aprile）之间。第一个是库普拉设计之家（Cupra Design House）——一间浸在黑暗中的实验室，让通常躲在幕后的东西浮出水面：材料、原型、形态研究。品牌聚焦参数化设计和数字创新，材料引导形态，算法辅助，与人工智能的对话日益紧密。第二站是科索科莫的库普拉车库（Cupra Garage Milano），创意过程是主角——语言、表面、材料——色彩与饰面（Colour & Trim）作为品牌标识的关键要素。这里还首发了库普拉拉瓦尔（Cupra Raval），全新城市电动车型，定位为出行与驾驶情感的合成体。第三幕在加里波第画廊（Garibaldi Gallery），话语变得明确艺术化——“Own the Wheel”是品牌首个艺术展：七位欧洲艺术家将方向盘重新诠释为控制、意识和个体选择的象征，回应日益自动化的世界。项目从马德里巡展而来，米兰站还有与拉斐尔米兰（Raffles Milano）学生合作的“Beyond Definitions”。

▲ 库普拉设计之家

格罗埃的水之圣所

小剧院梅拉托工作室（Piccolo Teatro Studio Melato）向设计周敞开大门。格罗埃（Grohe）SPA的“水之圣所”（Aqua Sanctuary）由Lixil集团保罗·弗劳尔斯（Paul Flowers）设计。幕布、投影、声音和光线伴随一条流经三个空间的路径——灵感、护理、反思——以流畅方式串联。水始终在场：表面、倒影和强度变化随人的移动而变。没有刚性方向，只有一种接近剧场语言的缓慢节奏。

▲ 格罗埃水之圣所

朱莉·哈米斯基的炼金花园：花朵在金属中永生

在潘多尔菲尼拍卖行（Pandolfini Casa d'Aste），与米特兰画廊（Galerie Mitterrand）合作，朱莉·哈米斯基（Julie Hamisky）把花和叶变成金属结构。展览汇集雕塑、灯具和首饰——有机物质通过电铸和电镀被固定：每一道叶脉、每一处褶皱和缺陷都被印下，定格在衰变前的那一刻。一个悬浮花园由此浮现：纪念碑式的大件——如放大的罂粟“巨人”（La Géante）——与更小、可佩戴的作品共存，所有作品被同一种脆弱与持久之间的张力贯穿。