展览报道 l 2026年法国巴黎卢浮宫博物馆春季国际当代艺术博览会 ART SHOPPING l 展位B11

参展艺术家及作品介绍

Un panier de jade rouge, 2025, Encre de Chine sur papier xuan, 69 x 76 cm

《一篮红玉》以极为简洁而富有生气的画面，呈现出一幅兼具生活情趣与诗意意味的花鸟小景。作品中，一只竹篮以率意有力的笔墨勾写而出，篮中盛满鲜红欲滴的果实，数枚散落篮外，仿佛刚刚倾泻而下。画面下方一只蟋蟀悄然出现，与上方丰盈明艳的果实形成呼应，使整件作品在静中见动，在空灵中见生机。

这件作品最鲜明的特征，在于其高度概括的构图与富有节奏感的笔墨表现。竹篮与叶片以浓墨写出，线条苍劲爽利，带有明显的书写性；果实则以鲜润明快的朱红、粉红点染而成，在大片留白中形成强烈而清新的视觉焦点。墨与色、实与虚之间的对照，使画面既显丰盛，又不失轻盈疏朗的气息，体现出中国画中“以少胜多”“计白当黑”的审美意味。

从题材上看，《一篮红玉》延续了传统花鸟画对自然日常之美的体察，但作品并不止于对果实与虫草的描绘，而是借由成熟果实的丰润、虫鸣小景的灵动与画面留白的回响，传达出一种关于时令、生命与日常诗意的感受。作品以小见大，将寻常之物转化为富有韵致的视觉意象，使观者在朴素题材中体会到自然生机与笔墨趣味的融合。

刘杨是一位持续深耕中国花鸟画创作的艺术家，其作品注重笔墨精神、自然意趣与传统花鸟题材的当代表达。她近年来创作活跃，参展与入选经历丰富，逐渐形成了较为鲜明的个人面貌。

自2024年至2026年间，刘杨多件作品连续入选重要展览与赛事，包括“讴歌时代·礼赞祖国——西安市文艺界庆祝中华人民共和国成立75周年书法美术摄影展”、“秦岭与黄河——西安市庆祝中华人民共和国成立75周年优秀美术作品展”、“西望长安”全国美术作品展、“兰香秦岭·常来长安”国画大赛、“经纬交响——首届中俄艺术作品双年展”以及多项全国花鸟画展、网络展与主题展。其中，作品**《双鹤图》**于2025年荣获“西望长安”全国美术作品展优秀作品奖；多件作品亦被收录于全国性展览、出版与收藏项目之中。

与此同时，刘杨也获得了较高的媒体关注。2025年与2026年间，她先后获得多家媒体平台的个人专题报道与艺术家推介，显示出其在当代花鸟画创作领域逐渐扩大的影响力。整体而言，她的创作立足于传统花鸟画的笔墨根基，又强调题材的精神内涵与画面的书写意味，在自然物象中寄寓品格、气韵与情思，展现出兼具传统修养与现实活力的艺术追求。

Illusion, 2026, Huile sur papier, 15 x 21 cm

在《幻》中，吴鸿瑞构建了一个介于自然景观与内心感受之间的绘画空间。画面前景是流动的水面，中景处树木成片生长，形成厚重而起伏的绿色屏障；上方天空则以紫色、黄色与白色交织铺展开来，呈现出一种游移、不稳定而近乎梦境般的氛围。作品并不试图还原某一处可被明确指认的风景，而更像是在描绘一种由记忆、情绪与想象共同生成的视觉经验。

这件作品的感染力首先来自颜料本身的表现力。艺术家通过厚薄不一的笔触、交错叠加的色层，以及清晰可见的运笔痕迹，使绘画不只是对景物的描写，更成为一种独立存在的视觉过程。树木的深绿、水流的蓝、天空的紫与黄彼此碰撞，使画面在自然气息之外，又带有鲜明的心理感受与抒情意味。景物仿佛在生成的同时又不断消散，令整件作品带有一种“幻”的不确定性与流动性。

虽然尺幅不大，《幻》却呈现出相当开阔的视觉张力。它像是一个介于观看与遐想之间的瞬间：自然并非被客观地记录下来，而是在颜料的运动、色彩的游走与笔触的节奏中被重新生成。由此，作品所传达的并不仅是风景本身，更是一种关于感知、情绪与绘画发生方式的细腻表达。

吴鸿瑞，2007年出生于北京，现居北京学习，2025年考入北京服装学院油画系。虽处于创作起步阶段，但已展现出对多种艺术表达形式的浓厚兴趣，以及对不同媒介特性的持续探索。

他的创作关注材料本身的表现潜力，平时也尝试水彩、丙烯、泥、纸等不同媒介，并从中体会各自独特的质感与语言。在他的理解中，绘画不仅是再现对象的方式，也是一个让颜料、笔触与表面关系自由发生的过程。他尤其重视颜料在画面上“游乐”的感觉，并将这种带有实验性与浪漫气息的体验视为创作的重要部分。

Qinghua WANG 王清华

La porte de la croissance où sombrent et émergent toutes choses I, 2025, Encre sur papier, 69 x 46cm

《万物沉浮于生长之门一》延续了王清华自2017年以来“荷系列”“家园系列”与“天使系列”的创作脉络，并在此基础上，进一步深入探索人与宇宙之间的关系。作品以纸本水墨为媒介，在浓淡、虚实、疏密交织的笔墨语言中，构建出一个兼具自然意象、生命寓言与精神空间的视觉场域。

画面中，植物、动物与人物形象彼此交融，在自由而富有生机的构图中，共同生成一个不断流动的生命世界。艺术家并不着力于对自然景象进行细节性的再现，而是借助水墨的渗化、留白与线条的节奏，呈现出万物共生、循环往复的整体秩序。“生长之门”既象征生命从诞生到消逝的过程，也象征天地万物彼此感应、相互生成的通道。

这件作品也体现了艺术家对于“天人相应”的理解：天有日月，人有双目；天有四时，人有四肢；天有十二时辰，人有十二经络；天有二十四节气，人有二十四节脊椎骨。通过中国水墨独特的表现方式，王清华将草木荣枯、鱼潜鸟鸣与万物生息转化为一种具有哲思意味的视觉表达。作品不仅关乎自然与生命，也引导观者重新思考人类在万物中的位置，以及对天地、生命与精神家园的敬畏与守护。

王清华，字轩辕，自由艺术家，现居西班牙马德里。她的创作立足于中国水墨传统，同时融入当代艺术的感知方式，持续关注人与自然、生命与宇宙之间的深层联系。

她现为中国工艺美术家协会会员、山东省青岛女书画家协会理事、青岛女书画家协会当代艺术学会副秘书长、马德里艺术家协会会员。

在长期的创作实践中，王清华不断拓展水墨艺术的表现边界。她以富有精神性的艺术语言，探讨生命循环、万物共生与人类精神归属等主题，形成了兼具东方哲思与当代意识的个人创作面貌。

Jianli GENG 耿建丽

Du matin au soir, 2026, encre de Chine sur papier, 85 x 85 cm

《朝夕》以繁盛丰盈的花卉意象构建出一个兼具古典气韵与现代形式感的画面空间。作品以熟宣纸为载体，将牡丹、鸢尾、百合等花卉交织铺陈于画面之中，花叶穿插、疏密有致，在层层展开的构图中形成一种静中有动、繁而不乱的视觉节奏。整件作品既保留了工笔花鸟的细腻与雅致，又通过色块分割与空间重组，使传统题材焕发出鲜明的当代气息。

这件作品并不满足于对花卉形态的客观描绘，而是借由背景中带有构成意味的几何色面，以及花枝之间彼此呼应的线条关系，将“花”的主题转化为一种关于时间、秩序与生命流转的视觉表达。题目“朝夕”既指向晨昏交替、日常流转，也暗含生命在时间中的持续生长与悄然变化。画中的花朵因此不只是自然之美的呈现，也成为一种关于丰盛、沉静与恒常生命力的象征。

在色彩处理上，作品以深红、紫、白、蓝等色调相互映衬，既形成鲜明而和谐的视觉层次，也赋予画面温润而饱满的装饰性。艺术家将工笔的精微笔意与现代绘画中的构成意识相结合，使《朝夕》在典雅之中呈现出鲜活的时代感，展现出对自然、生机与形式之美的细致体察。

耿建丽（乐至轩主），现为中国大众文化学会艺术人才委员会委员、中国书画报特聘书画家、香港美术家协会会员、珠海市美术家协会会员、珠海市中国画学会会员，并长期从事国画教学与艺术推广工作。

她的创作“以东方工笔为骨，融西方构成与色彩理念，于传统法度中注入当代视觉张力”，形成了细腻温润、兼具古典意趣与现代风貌的个人面貌。多年来，她的作品多次入选国内外重要展览，包括澳大利亚全国美展、香港国际双年展、华夏之星全国书画大展、澳门国际荷花展及大湾区巡展等，并被珠海市博物馆、泸州老窖博物馆等机构收藏。其创作实践不仅体现出扎实的传统笔墨功底，也展现出持续拓展中国画当代表达边界的探索意识。

Tempête de neige, 2025, Photographie, 80 x 60 cm

《风雪》是一件以极为克制的方式呈现草原生命力量的摄影作品。画面中央，一匹蒙古马独自行走在风雪之中，四周景象被大面积的白色笼罩，天地边界仿佛被抹去，只留下寒冷、寂静与广阔。正是在这样近乎空无的空间里，马的身影被凸显出来：它低首前行，鬃毛与尾部被风雪打湿，身体沉稳而坚韧，成为整幅作品最有重量的存在。

这件作品并不仅仅是在记录一次风雪天气，更是在呈现动物、环境与土地之间深刻的关系。在草原与戈壁地带，干旱、风沙与严寒是生活的一部分，而蒙古马作为草原上的“精灵”，以其耐寒、耐力强、适应力顽强的特性，成为牧民生活中不可替代的伙伴，也承载着草原文化中重要的情感与记忆。通过这幅作品，艺术家所传达的，不只是故乡自然环境的真实面貌，更是那片土地上生命面对艰难时所表现出的沉默力量。

《风雪》的感染力，来自它视觉上的简洁与情感上的厚度。作品没有刻意制造戏剧性，而是在一种近乎日常的瞬间中，呈现出草原生命的韧性与尊严。风雪中的马，既是一个真实存在的个体，也像是一种关于坚持、忍耐与生存意志的象征。作品由此将草原的辽阔、自然的严酷与生命的顽强凝聚为一个安静却有力的视觉瞬间。

诺敏其其格，1992年出生于内蒙古自治区锡林郭勒盟。2011年至2015年间，曾前往甘肃、蒙古国等地学习唐卡艺术。2022年开始自学水彩，并逐步展开个人创作。

她的作品题材与灵感主要来源于自身成长和生活的环境——大草原、戈壁、干旱少雨的气候、风沙以及牧民的日常生活经验。在她的观察中，那片土地虽然常常伴随着严酷的自然条件，却也孕育出一种极具韧性的生命状态。牧民在艰难环境中坚持生活，草原动物在风雪与荒旱之间顽强生长，这些都成为她持续关注和表达的主题。

在众多题材中，蒙古马始终占据着最核心的位置。出于从小对马的喜爱，她的大部分创作都与马有关。对她而言，蒙古马不仅是一种动物，更是草原精神、生命耐力与故乡记忆的集中体现。如今，诺敏其其格以自由职业者身份从事美术创作、插画设计、摄影等工作，在多种视觉媒介之间持续探索，并逐渐形成了以草原经验为内核、兼具真实情感与个人视角的创作面貌。

Petits bateaux au bord，2025, Peinture à l’huile, 40 x 40 cm

在《岸边的小船》中，赖治霖以港湾泊船这一日常景象为题，构建出一个安静而富有张力的绘画空间。三艘木船沿纵深错落展开，使画面在稳定的结构中呈现出微妙的节奏变化。前景中的小船以鲜明的绿色船身与赭石色船板形成视觉重心，厚实而凝练的笔触强化了船体的体积感与物质性；水面之上晕散交织的倒影，则进一步延展出一种静止中蕴含流动的气息。

艺术家并不着力于对客观对象作细节性的再现，而是通过概括而有力的绘画语言，组织色块、光线与笔势之间的关系。船体暖色调与水面冷色调之间的对比，使画面在结构清晰的同时保有内在的抒情性。由此，原本寻常的岸边一景被转化为一个可供凝视与体会的视觉场域，现实景象也在颜料的厚度与观看的节制中获得了更为内敛而持久的诗意。

赖治霖，2000年生于广东广州，本科毕业于广州美术学院绘画专业，现就读于广州美术学院美术与书法专业（油画）硕士研究生阶段。其创作与参展经历已显示出较为明确的个人方向。通过持续的油画实践，他关注日常景物中的光线、时间感与空间气息，并重视绘画媒介本身的物质属性与表现潜能，逐步形成兼具观察性与表现性的创作面貌。

Bohao WANG 王博豪

《戏剧〈美狄亚〉舞台设计》摒弃了对古希腊城邦的写实性复原，而转向一种高度象征化的舞台语言，将人物心理、命运轨迹与悲剧结构转化为可被观看、可被穿行的空间叙事。整个设计并非服务于历史场景的再现，而是通过装置、结构、光影与动线的综合组织，使舞台本身成为《美狄亚》精神内核的外化场域。

在这一设计中，“空间即命运”构成了最核心的观念。可滑动的平台、可开合的框架以及可被激活为“河流”的装置，共同形成一个不断变化的空间系统。人物在其中的每一次移动，不仅是行动的展开，也是命运被书写的过程。从倒置的船到正置的船，从干涸的河床到翻腾的血河，舞台以强烈的象征方式将美狄亚的复仇之路具象为一场无法回头的航行。她既掌握方向，又被卷入自身行为所导向的毁灭结局，最终驶向的是一处无人能够返回的彼岸。

作品的另一重要维度在于对“女性突围”的强调。当美狄亚从象征“规则之外”的暗红色开合通道中离开时，这一动作已不再只是剧情推进，而成为一种具有明确批判性的视觉宣言。她跨越伊阿宋，也跨越由父权秩序、道德审判与社会规范共同构成的压迫结构。她的离去不是逃离，而是对不公命运最激烈、最决绝的回应。舞台在此不只是叙事的背景，更成为揭示性别权力关系与人物精神断裂的核心媒介。

因此，这一设计所指向的，不仅是对古希腊悲剧文本的视觉重释，更是对人性、背叛、复仇与女性力量的深层思考。作品以具有冲击力的空间意象和鲜明的视觉隐喻，使观众在观看中直面美狄亚这一复杂、痛苦而不朽的戏剧灵魂，也让舞台设计本身获得了超越“场景搭建”的观念深度与戏剧力量。

王博豪，舞台美术创作专业硕士、戏剧影视美术设计专业学士，入围亚洲新生代艺术榜（3000进73），为亚洲青年设计联盟成员，并受聘为北京中外视觉艺术院特聘美术家、助理研究员，同时也是陕西省舞台美术学会会员、河北青年美术家协会会员、香港人民美术家协会会员。其创作横跨舞台美术、装置与视觉艺术实践，并发表多篇学术论文，多项作品参展获奖。

从创作路径来看，王博豪关注戏剧文本、空间结构与视觉叙事之间的深层关系。他并不满足于将舞台设计理解为剧情的附属背景，而更强调空间作为情绪容器、象征系统与观念媒介的独立价值。在其作品中，材料、装置、结构关系与观众感知共同构成叙事的一部分，使舞台美术从“服务性设计”转向具有思想张力的综合视觉表达。

《戏剧〈美狄亚〉舞台设计》正体现了他在当代舞台视觉实践中的探索方向：以强烈的象征性语言介入经典文本，通过空间的组织、装置的转换与视觉隐喻的叠加，回应悲剧、命运与权力等永恒议题，呈现出兼具戏剧性、观念性与视觉冲击力的创作面貌。

Dawei WANG 王大为

此次展出的这一批作品，整体呈现出鲜明而统一的山水语言：高耸的雪峰、翻涌的云海、苍劲的林木与陡峭的山势，共同构成一种具有强烈视觉张力与精神力度的自然图景。画面虽然取材于山岳景观，但并不止于对自然地貌的客观描绘，而是在雄浑壮阔的构图中，将山川转化为一种带有理想性、象征性与抒情性的精神空间。

从这些作品可以看到，艺术家在中国山水画传统基础上，发展出一套富有个人辨识度的彩墨语言。山体的结构、峰峦的起伏、云雾的流动以及松林的铺陈，都延续了中国山水画讲究气韵、势态与空间经营的传统；而大面积的暖色天空、被霞光染亮的雪山，以及浓重而鲜明的色彩对比，则使画面获得了一种接近史诗性的表现张力。自然景观在这里不只是“可看之景”，更成为承载气势、情感与文化想象的视觉场域。

这批作品尤为突出的地方，在于它们将山水的宏大景象与象征意味结合在一起。山峰不只是山峰，也象征一种精神高度；光线不只是自然光照，也仿佛意味着希望、信念与历史记忆；而辽阔的天地空间，则被赋予了一种超越现实景观的文化气质。正因如此，这些作品并非停留在风景再现层面，而是在雄健奔放的笔墨与浓烈开阔的色彩中，呈现出自然、历史与精神性三者交织的艺术面貌。

王大为，字仲宇，号渔牧散人，1972年生，祖籍河北保定。他为国家一级美术师，中国国家美术家协会理事，河北省美术家协会会员，河北正德书画研究院院长。其创作涉及中国山水画、书法、篆刻等多个领域，长期致力于传统笔墨与当代视觉表现的融合探索。

从学习经历来看，王大为自上世纪八十年代末开始系统研习艺术，曾于清华美术学院进修书法篆刻，并先后师从与李可染、梁树年、孙其峰学脉相关的画家学习中国山水画与彩墨山水创作。简介中提到，他在扎实的中国画基础之上，也注重西洋色彩学的吸收与运用，由此形成了兼具传统山水结构和强烈色彩表现力的个人风格，尤擅长以彩墨表现长城及雄浑山岳题材。

多年来，王大为的作品曾在各类展览、比赛、收藏与文化交流活动中受到关注。其部分代表作品被纪念馆、博物馆等机构收藏，并多次参与大型文化交流与拍卖活动。整体来看，他的创作面貌以雄浑豪迈、气势开张、寓意深远为主要特征，在当代彩墨山水语境中形成了较强的个人辨识度。此次展览所呈现的，正是他将传统山水精神与当代视觉表现结合起来的一组代表性探索。