作为一个看展杂食动物，对我来说住在感觉伦敦确实是很有幸福感，每天都有无数的新奇展览想看。之前也想过做一个每月看展回顾，但发现每到月末都在搬家之类的事情中度过，于是把时间逻辑转换一下，变成月初待看展览清单。虽然我是一个看展也非常last minute的人，不到展期结束前一个月基本无法动身，但最后期限去看的好处也是有的：可以看到很多展览评论和观众留言，从经济角度来说，周边还会打折贩售。也欢迎朋友们来和我约看展！
展览简介摘自官网展览介绍，DeepL翻译，人工粗略修改。
https://www.somersethouse.org.uk/whats-on/museum-of-edible-earth
由艺术家与研究者 masharu 于2017年在阿姆斯特丹创立的“可食之土博物馆”（Museum of Edible Earth），既是一座游牧式博物馆，也是一个在线研究平台，致力于记录一个不断扩展的全球可食用土壤收藏。该数据库目前已收录来自44个国家的600余个样本，包括亚美尼亚、喀麦隆、科特迪瓦、德国、印度、吉尔吉斯斯坦、墨西哥和尼日利亚等地。该项目结合地质研究、文化历史与味觉记录，邀请观众将“土壤”视为一种具有风味、质地与文化意义的物质来加以体验。
展览的核心将是一张共享品尝桌，在展期内每日13:00至16:00期间开展引导式品尝活动。观众可以选择品尝从博物馆藏品中精心挑选的土壤样本。每一次品尝都配有一张说明卡，介绍其风味特征、矿物成分与文化背景；同时，观众也被邀请在可堆肥卡片上记录自己的品尝感受，共同构建一个持续演变、具有参与性的档案。
Rose Wylie: The Picture Comes First, Royal Academy of Arts
展期至4月19日
https://www.royalacademy.org.uk/
本次展览汇集了Rose Wylie最具代表性的作品，以及全新创作、与此前从未展出过的绘画，是迄今为止规模最大的一次艺术家个展。
她的作品充满了对电影、名人、文学以及古代文明的多重指涉。她笔下的人物（多为女性）包括伊丽莎白一世、妮可·基德曼、玛丽莲·梦露、塞雷娜·威廉姆斯以及白雪公主。这些文化与历史元素与她自身的生活经验交织在一起，例如她童年时期经历伦敦大轰炸的记忆。
Wylie在艺术生涯早期便获得成功，她是在五十多岁时才开始作为画家创作的，此后，她逐渐确立了自己作为文化符号的地位；她的艺术、独特的风格，甚至她位于肯特乡村、布满颜料的工作室，都在艺术界、时尚界乃至更广泛的文化领域引起了关注。
Wylie的作品大胆而鲜明，提醒我们：生活由许多细微的瞬间构成，这些瞬间往往带着幽默感，却同样充满触动人心的力量。
In Bloom: How Plants Changed Our World, Ashmolean Museum
展期至8月16日
https://www.ashmolean.org/exhibition/in-bloom-how-plants-changed-our-world
(主要是朋友们说外面的花柱装置很好看，虽然难免殖民主义色彩)
我们究竟对花园和窗台花箱中的植物与花卉了解多少？
在它们的美丽之外，许多植物还隐藏着不为人知的历史——关于探索、执念与知识的故事。
这场全新的大型展览将带领观众从牛津出发，走向世界的各个角落，再回到原点，揭示英国最受喜爱的花卉背后的全球性故事——从玫瑰、郁金香到山茶花与牡丹。
展览汇集了100余件艺术作品与实物，包括素描、绘画、珍稀版画和陶瓷。In Bloom探讨了人类与自然世界关系的变迁。从早期植物探险者的好奇心与创造力，到塑造全球贸易的网络，本次展览展示了对异域植物的追求如何改变了景观、经济与文化，并留下至今仍在影响我们世界的遗产。
Chiharu Shiota: Threads of Life & Yin Xiuzhen: Heart to Heart, Hayward Gallery
展期至5月3日
https://www.southbankcentre.co.uk/whats-on/yin-xiuzhen-heart-to-heart/
https://www.southbankcentre.co.uk/whats-on/chiharu-shiota-threads-of-life/
(之前在上海看过一次盐田千春的展览，但是感觉这两个展览对照着看可能会更有意思)
Chiharu Shiota以其大型装置艺术闻名，她将鞋子、钥匙、床、椅子和衣裙等日常物件包裹在由毛线编织而成的巨大网状结构之中。
这些作品具有强烈的沉浸感与情感张力，常常源于艺术家的个人经验，并进一步延展至关于生命、死亡与人际关系等普遍的人类议题。
本次展览还展出全新大型雕塑、绘画、早期行为影像与摄影作品。艺术家的标志性装置从地面延伸至天花板，覆盖Hayward Gallery顶层空间，并回应其标志性的粗野主义建筑风格，营造出极具氛围感的展示环境。
展览还呈现了其以往纪念性装置作品的全新演绎版本，其中包括《沉睡之中》（During Sleep，2026）。该作品将在展期内通过现场表演不断被“激活”。
《沉睡之中》的表演包含在展览门票内，演出时间为：3月7日、4月11日及5月2日（星期六），上午10点至下午1点。
Yin Xiuzhen以在沉浸式装置与雕塑中运用二手衣物、混凝土、食物以及日常生活物件而闻名。她通过多媒体艺术创作，探讨记忆、个体与当代全球化社会之间的空间关系。
本次展览回顾了她三十余年的创作历程，汇集了艺术家一系列重要代表性项目，并呈现多件全新委托创作作品，是她在英国首次大型回顾性展览。
Tracey Emin: A Second Life, Tate Modern
展期至8月31日
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/tracey-emin
这场具有里程碑意义的展览回顾了Tracey Emin四十年的突破性创作实践，呈现其职业生涯中具有代表性的作品，同时也展出多件从未公开展示的新作。通过绘画、影像、纺织、霓虹灯、写作、雕塑与装置等多种媒介，艾敏不断挑战艺术边界，以女性身体作为有力的表达工具，探讨激情、痛苦与疗愈。
Tracey Emin是其时代最重要的当代艺术家之一。她在20世纪90年代凭借如《我的床》（My Bed）等标志性作品进入公众视野——该作品曾入围特纳奖，并引发了激烈的评论与公众讨论，挑战了人们对“艺术为何物”的理解。她对个人与公共之间界限的拒绝，以及对坦率自我表达的坚持，定义了英国文化与全球艺术史中的一个重要时刻。
本次展览进一步拓展了Emin的艺术叙事，赞颂她直率而自白式的创作方式，同时提出关于爱、创伤与自传性的深刻问题。展览亦展示了她长期以来对绘画的投入，将其近期作品呈现为她将生命经验转化为艺术表达的集大成之作。
Gathering Ground, Tate Modern
展期至11月2日
https://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/gathering-ground
（之前去看展的时候匆匆瞥了一眼，似乎很有意思又似乎需要精神力比较强的时候去看）
汇集泰特美术馆馆藏中的多件艺术作品，本次展览凸显了环境正义与社会正义之间的关联，并邀请我们重新思考与自然世界以及彼此之间的关系。
参展艺术家包括 Outi Pieski、Abbas Akhavan、Bruce Conner、Zheng Bo、Gauri Gill 与 Rajesh Vangad、Edgar Calel 和 Carolina Caycedo，以及 Abbas Zahedi 的一项全新委托创作。通过他们的作品，这些艺术家致敬原住民知识，培育酷儿的多物种关系，并记录土地与水域的迁移与破坏等问题。
展览设于一座曾经的石油与燃煤发电站之中，Gathering Ground提供了一个共同反思的空间，让我们思考自身在构建一个更加平等世界中的角色。在这个关键的历史时刻，这场富有力量的展览提出了一个问题：我们如何才能成为对未来世代负责的“好祖先”？
The Coming of Age, Wellcome Collection
展期至11月29日
https://wellcomecollection.org/exhibitions/the-coming-of-age
The Coming of Age探讨从青春期到晚年的人生阶段中关于“衰老”的经验与感知，并提出一个问题：社会应如何调整，以使我们都能更好地老去。
在全球范围内，人类的寿命正在不断延长。在英国，每十个孩子中就有一人有望活到100岁以上。但究竟是谁能够活得更久，并且“优雅地老去”？本次展览探讨了年龄经验如何受到环境、文化与社会的共同塑造。
展览汇集了120余件艺术作品与实物，从历史文物到当代艺术家的创作，包括 John Coplans、Serena Korda、Suzanne Lacy、Anna Maria Maiolino、Rory Pilgrim、Paula Rego 等人的作品。
通过整合艺术、科学与大众文化的多重视角，本次展览挑战我们对人生阶段的既有认知，并思考更长寿命对我们所有人意味着什么。
