正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 巴黎
「Kentucky Cols.」
2026年3月21日 — 5月21日
拉里·彭斯
「Kentucky Cols.」
@ 阿尔敏·莱希 - 巴黎
展期：2026年3月21日至5月21日
64 Rue de Turenne 巴黎，75003 周二至周六：早11点至晚7点
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 巴黎
「Kentucky Cols.」
2026年3月21日 — 5月21日
拉里·彭斯（1）曾回忆起20世纪50年代初一次收音机中听到的歌曲所带来的强烈触动，他将这种异常强烈的体验比作第一次闻到花香。观看本次展览中的近期作品，观者也会被类似的感受所捕获：并非对花的再现，而是花朵绽放与盛开的经验本身。《交谊舞基础步》（Ballroom Chassi）、《帕特·克劳德》（Pat Cloud）、《克拉伦斯·怀特》（Clarence White）与《你曾伤过多少颗心》（How Many Hearts Have You Broken Today）铺展出气势宏大的色彩场域，其能量并不在于再现，而在于经验本身。这些作品共同确立了彭斯在色域绘画历史中的重要地位。
在那次决定性的音乐体验之后约十年，彭斯完成了他的第一幅绘画《摇滚乐》（Rock and Roll，1958），一件抽象几何作品。这位兼具画家与音乐家身份的艺术家，自1961年起便与好友沃尔特·德·玛利亚（Walter de Maria）、拉·蒙特·扬（La Monte Young）以及贾斯珀·琼斯（Jasper Johns）进行非正式的音乐聚会，并逐步发展出一种光学抽象风格。他著名的“点绘画”系列（Dot Paintings），是欧普艺术（Op art）最早的绘画实验之一。因此，他入选1965年纽约现代艺术博物馆举办的「感官之眼」（The Responsive Eye）展览，其中展出的《尼克斯的伴侣》（Nixe’s Mate，1961）即来自该系列。该展览在推动欧普艺术获得国际认可方面发挥了关键作用，同时也通过呈现后绘画性抽象与色域绘画的作品，对这一趋势形成了某种平衡。
不久之后，在20世纪70年代初，与克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）的一次对话成为转折点，彭斯开始发展出丰沛而充盈的抽象画面。彼时他将大幅画布平铺于地面，用桶将颜料泼洒其上。在一次工作室造访中，格林伯格注意到角落里几卷包裹着塑料、竖立放置的画布：那些在地面作画过程中溅落的颜料滴洒在塑料表面，形成垂直延展、几乎失重般的痕迹。这一发现如灵光乍现，使彭斯彻底改变了工作方式：他将长卷画布沿工作室四周展开，并向其抛洒颜料，让动能、重力与偶然性共同塑造画面。《铁路之马》（Rail Road Horse，1971）便由此诞生，这是一件长近八米的布面丙烯作品。
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 巴黎
「Kentucky Cols.」
2026年3月21日 — 5月21日
五十余年后的今天，本次展出的作品延续了类似的创作冲动，同时也呈现出清晰的差异。在如原野般宽广的单一画布长卷上，彭斯不再抛掷色彩，而是以画笔建构。他以自由的手势，将厚重而富有能量的颜料层层叠加，生成无尽变化的色彩组合。在对整体图像进行审视之后，他再将画布裁切为独立的作品。这些“瞬间”既保留了整体流动的记忆，又各自确立了自身的强度，这正是艺术家选择它们的原因。这一过程，即展开画布、覆盖丙烯颜料并加以裁切，不仅是一种技术，更是一种将绘画还原至最直接本质的观念。
尽管彭斯的创作无疑属于美国抽象艺术的发展脉络，但其作品始终带有某种“离经叛道”的倾向，尤其体现在其跨越大西洋的视野之中。这种“离经叛道”同样体现在其绘画与裁切的过程之中：每一幅画布都保留着“之前”与“周围”的记忆，既是独立的构图，也是更大整体的片段。更重要的是，这种偏离最终体现在颜料本身：厚重、粗粝、堆积的笔触成为一种视觉景观，使绘画直面自身，作为“颜料”而被呈现。当代美国抽象绘画多趋于表面平滑，而彭斯几乎以一己之力，在如此尺度上持续坚持对厚涂与累积的正面探索。
这些作品唤起人们对文森特·梵高（Vincent van Gogh）田野与皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）花园的记忆。在那里，颜料既表现物质，也作为物质本身显现，色彩在其中获得一种欢愉与释放。它们亦令人想起保罗·塞尚（Paul Cézanne），这位被彭斯视为重要转折点的艺术家：“你会明白，当摆脱了关于绘画应当如何呈现的那种僵化观念之后，这一过程经历了极为漫长的时间，几乎直到20世纪，塞尚才真正开始仅以色彩作画。人人都在画风景，但他的作品为何与众不同？”（2）换言之，这是一种绘画表面的到来，色彩不再只是描述性的工具，而是为自身而存在。
正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 巴黎
「Kentucky Cols.」
2026年3月21日 — 5月21日
对彭斯而言，绘画无论是游走于具象边缘，还是彻底脱离再现，最终都可以归结为一个简单的行动，即展开画布，并施加色彩。或许正是在这里，观者得以体验那种“初次发现”的感受。不是辨认形象，而是在画面表层感知色彩发生的事件，如同第一次闻到花香。本次展览正营造出类似的经验，仿佛我们第一次步入一座花园。
文 / Marjolaine Lévy，艺术史学家、策展人
（1）拉里·彭斯1937年出生于东京，现生活并工作于纽约。（2） 大卫·罗兹（David Rhodes），“与拉里·彭斯的对话”（In Conversation with Larry Poons），《布鲁克林铁路》（The Brooklyn Rail），2017年10月。
本次展览由阿尔敏·莱希与Yares Art合作呈现。
拉里·彭斯肖像，2023年 / © 拉里·彭斯 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希拉里·彭斯于1937年出生于日本东京，并在1938年被其父母带回美国，现工作生活于美国纽约。自20世纪60年代展开其抽象绘画艺术生涯以来，彭斯便一直引领着美国抽象绘画的前沿。1959年搬到纽约后，彭斯在1962年以其一系列欧普艺术（Op-Art）创作而闻名，并进行了许多单色和多彩的实验性创作。1967年，彭斯放弃了创作结构绘画，开启了全新的“滴画”时期，将不同颜色的颜料从上倒在一块垂直的画布上，成就了丰富纹理和多层次色彩的绘画，让人联想起威廉·德·库宁（Willem de Kooning）和杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的作品。其作品被众多博物馆纳入机构收藏，包括美国纽约大都会艺术博物馆、洛杉矶县立艺术博物馆、芝加哥艺术学院、费城艺术博物馆和英国伦敦泰特美术馆等。
阿尔敏·莱希（巴黎 | 纽约 | 布鲁塞尔 | 上海 | 摩纳哥 | 伦敦）
1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。
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