市内展览暴走篇—慕尼黑首饰周2026回顾文系列2

今年在慕尼黑首饰周，Ucic君火力全开，一口气打卡了整整40个展览！

周六白天的时候有小伙伴说她只有半天打卡时间，请Ucic君推荐一下最值得去的展览。Ucic以展览体验、作品整体质量、想要下手买作品的展览几个关键词作为衡量标准分别给小伙伴罗列了每个板块的一二三个展览（主观，主观，非常主观！）。

回过头来看40个展览里有过半数量的展览Ucic君都觉得质量在线，绝对值得一冲！这篇高光回顾Ucic君将艰难地挑选出其中3个展览分享给大家！！当然啦，如果你想隔着屏幕，Ucic君打卡各种大大小小展览，还请参与进我们的线上导览活动！（加上Ucic君，为下一次活动做准备！微信ID：youseeiseetheysee）

Ucic君必须说，这是一个美丽的展览。

它藏在巴伐利亚美术学院的豪华建筑里，像一个需要你静下心来慢慢探索的宝藏。展览作品的体量都微小、轻盈、简洁，但仔细看进去，会发现它们的内核其实是沉重、内敛且真实的。在豪华场景的衬托下，每件作品似乎又多了一层肃穆的光环，令人不自觉地放轻脚步、屏住呼吸，生怕惊扰了空气里那一丝丝神圣的气息。

神圣感不仅仅来自于“金碧辉煌”的展览场景，更多的是艺术家作品里展现如学者般的严谨和执拗。艺术作品与艺术行为紧密相连，这场展览除了作品，也是艺术家行为艺术的体现。

从进入展览所在的建筑开始的每一步，Ucic君都走得极有仪式感。

艺术家Suska Mackert如同一位档案管理员或考古学家般通过收集、整理与再整理来进行创作。

她会为物件书写、绘制、拍摄；会测量、定位、保存；会一次次地分类、打乱、重组。在这些反复的动作里，她悄然质疑着那些我们习以为常的东西——关于传统、社会、价值、记忆，甚至是日常生活的种种陈词滥调。

她的创作对象多围绕“首饰”及广义的“器物”。她将原本分离的事物重新连接，有时甚至以剪刀、刻刀、针脚与胶带进行直接拼接；但这不是终点。在某一天，也许很近，也许很遥远，她又会把这些组合再次拆解，重新排列。循环往复，形成一种始终开放着的、充满可能性的状态。

在Suska的创作世界里，“缝隙/接缝”成为她重要的核心意象。

Mackert关注中间地带与空隙，如同建筑中用于缓冲材料运动的结构，看似微小，却至关重要。同时，她也通过反复的回溯、变化与延展，让某些主题不断生长，逐渐发展成复杂而丰富的整体。她以细致、谨慎而坚定的方式层层叠加，并不回避这些重复所产生的吸引力。（Ucic君注解：展览名Fugen是德语名词 Fuge（缝隙、接缝）的复数形式，正是艺术家创作的一个核心思想， 她通过不断的重复与变奏，将主题逐渐丰富和深化。）

说到Suska的背景，也是挺有意思的一条路：她曾学习戏剧学、哲学与艺术史，后就读于Kaufbeuren-Neugablonz（考夫博伊伦-诺伊加布隆茨）国家玻璃与首饰职业学校，并进入 阿姆斯特丹的Gerrit Rietveld Academy“贵金属设计”专业学习，随后在Sandberg Institute完成自由造型硕士学位。2010至2013年，她担任Gerrit Rietveld Academy“首饰”专业负责人；自2013年起，她开始任教于纽伦堡美术学院，担任“纯艺术/首饰与器物”的教授。

好了，理论说了一堆，跟着Ucic君一起来感受下Suska作品里的美感~

那天去看展，阳光特别好，洒进展厅的落地窗，加上挑高的房梁，整间屋子都变得金灿灿的，那种氛围，真的很难用言语形容。

走进展厅——或者说，离开的时候——每个人都会经过一件特别的作品。它是一句贴在地上的红色句子：

意思是：一个工人跪在地上，把胶带贴在红色地毯的下面，把它固定住。

就是这么一句话。但当你站在展厅里，低头读到它的时候，脑海里会自动浮现出那个画面——工人跪着，认真地贴着胶带，做着那些我们平时根本不会注意到的、幕后的、被忽略的日常。

而此刻，它被写在地上，用一种安静的、近乎谦卑的方式，成了展览的一部分。

在Ucic君看来，这件作品妙就妙在——它把“红地毯”这个充满仪式感的象征，简化为贴在地面上的一段红色材料，还特意指向了它被固定的过程。

就这么轻轻一点，艺术家把表象背后的劳动与建构给揭示了出来。那些我们平时不会去想的问题，比如：是谁铺的地毯？是谁在维持这一切的体面？——突然就浮到了水面上。

仪式与日常、象征与现实之间的那条界线，好像也变得模糊了起来。

越南裔德国艺术家Sam Tho Duong，Ucic君真的得先感慨一下——他是Ucic君从进入首饰学习初期便喜欢的艺术家，如今数来也有15个年头了~

Sam的作品简单粗暴的说法是“密集恐惧症勿入”类作品，Sam大多数作品的密度都极高！他的大多数作品密度都极高，密密麻麻，层层叠叠。而Ucic君偏偏就是对这种高密度的作品毫无抵抗力——痴迷那种肉眼可见的、需要极大耐心和毅力才能完成的专注感。因而Sam的作品几乎每个系列都能戳到Ucic君，尤其是Frozen系列，它是叩开Ucic君对Sam喜欢的那道门的系列。

这次在Ping Rodach Contemporary的展览涵盖了Sam不同时期的三个系列，时间跨度差不多有20多年。展厅分成了三个区域，分别是Frozen、Ginger及最新系列Transformation。

走进第一个区域，迎面就是深蓝色的背景墙，上面悬挂的主要是Frozen系列，Sam和Ucic君叨叨说展览空间的主理人本想将墙保留纯白色作为展示空间，但他坚持要刷成深蓝色，不然满是白色米粒珍珠密布的作品将会“消失”在背景板里。而事实证明他是对的——这片深蓝，反而赋予了Frozen系列一种深夜寒冬里的凛冽感，让每一件作品都像从夜色里浮出来一样。

Sam Tho Duong的“Frozen”系列源于他对家乡冬季景象的观察。

他把目光投向那些转瞬即逝的瞬间——结霜的树枝，凝冻的清晨——然后将它们一点点转化为可以佩戴的形态。怎么做到的？他以大量细小珍珠聚合于银质结构之上，构建出仿佛自然生长般的有机形态，使作品呈现出类似被冰封的植物或结晶体的视觉效果。

原本短暂易逝的霜与寒意，在这里被“凝固”为持久存在的物质形式。

整个Frozen系列，有一种很微妙的张力在流动——轻盈与结构之间，脆弱与控制之间。它游走在首饰与雕塑的边界上，也模糊了身体与自然的界限。不张扬，却有力；不喧哗，却动人。

这是一种安静而内敛的诗性力量。

Ucic君也有幸尝试佩戴了一下结构超级复杂的一件作品：

这组系列Sam说勾画的是他心中的小男孩，也许是记忆里幼年的他在冰天雪地里奔跑时的样子：

走进第二个区域，迎面而来的是Ginger系列——一个和Frozen完全不同的世界。

这个系列以姜这一植物为灵感，将其根茎盘绕、分节与自然生长的形态转化为首饰语言。与“Frozen”系列的冷冽与凝结不同，“Ginger”更强调温暖、内在能量与身体感知。

作品通常呈现出有机、起伏的结构，仿佛从身体上生长出来，带有明显的触觉与生命力。在材料与形式上，Sam延续其对“生长感”的关注——通过金属的弯曲、延展与连接，使首饰呈现出类似植物根系蔓延的状态。

Ucic君觉得，姜既是一种日常食材，也具有疗愈与身体性的象征意义，因此这一系列在视觉之外，也许还隐含着关于身体、感官与内在能量的暗示。

最后走进第三个区域，这里呈现的是Sam的最新系列——Transformation。

如果说Frozen是关于“凝结”，Ginger是关于“生长”，那这个新系列，可以说是在关注“变化”本身。这个新系列可以被理解为Sam创作脉络中的又一次深化：从对自然形态的观察转向对变化本身的关注。他不再只是观察自然的形态——比如霜冻、比如姜根——而是把目光投向了一个更本质的问题：变化这件事本身。不只是形态的变化，还包括时间、身体，甚至是身份的转化过程。

在这一系列中，“转化”不再只是自然界的凝结或生长，而更像一种持续发生的过程。作品常呈现出流动、延展或彼此过渡的结构，形态之间没有明确的边界，仿佛处于不断生成与重组之中。这种不稳定性使首饰看起来既像正在形成，也像正在消解。

这种不稳定性，反而让首饰有了一种奇怪的生命感。

在展览的现场布置上，Sam也花了很多心思。他把作品放置在一个很特别的场景里——有点像输液室，又有点像在等待手术。

为什么要这么做？Ucic君猜，他是想用这种方式，把“转化”这个抽象的概念，变成一种可以被身体感知的经验。

在作品旁边你会见到绿色液体作为外部介入的象征，暗示着一种正在发生但尚未完成的改变。观众所面对的并非一个既定的结果，而是一个悬置的瞬间——身体处于被准备、被改变的临界状态。

通过这一场景，首饰的角色也变了。它不再只是附着在身体表面的装饰物，而更像是身体内部转化过程的一种外在呈现。

“Transformation”系列将首饰（物件）视为变化的载体，通过开放而流动的结构，呈现身体、物质与时间在持续转化中的状态。

Sam也向Ucic展示了它的佩戴可能性：一件作品可以有多种不同的佩戴方式。这种设计本身，也在延续一个想法：作品会因为人的佩戴，被不断地“转化”出新的样子。

对了，还有一个小小的彩蛋——在展览中心的后方区域，还摆放了一批Sam“Frozen”系列的小件作品，有耳饰、胸针、戒指。相比那些大幅的装置感强的作品，这些小件更适合日常佩戴。如果被Frozen系列打动过，这里应该会有想带回家的那一件。

Ucic君对其中一对耳环一直心心念念着。

这是Ucic君第二年打卡The Tiger Room呈现的展览。去年Benedikt Fischer的展览也是令人印象深刻。而今年Manon在The Tiger Room呈现的展览，同样带来了一种很舒服的观展体验——轻盈、活泼，有律动感，而且作品的脉络清晰，展区划分也很分明。

Ucic君最喜欢的是为作品呈现布置的一系列细节巧思：

照片墙是戒指墙作品的灵感来源，两面墙上作品的摆放，视觉语言错落有致。

还有那些以圆形为基础的陶瓷戒指，它们被摆放在同样圆形的支撑物上。戒指是圆的，底座也是圆的——这种呼应，看出来的那一刻，真的会让人会心一笑。

项链的周边都布满了小点，作品的“圆形”错落摆放，彩色的木头项链被彩色的小点环绕、“白色”的项链被灰色、白色的“圆形”小点围绕、原木色项链则被原木色小点装饰。

还有那些用来悬挂挂坠的圆形图钉——它们不只是有功能性，那些彩色的圆点之间，似乎也在互相包容、彼此呼应，成了装饰的一部分。

还有一个布展上的细节，Ucic君当时站在远处看的时候，愣了一下——

墙上画着整整齐齐的格子，就像数学课用的方格本。而作品本身，是一颗颗小小的彩色珠子串成的项链。

走近看才发现，那些方格不只是装饰，它们营造出了一种很强烈的秩序感。而有趣的是，作品本身的佩戴方式其实是相当随意的，你可以按心情搭配、组合，很自由。但制作和呈现的过程，却又是有序的、有条理的。

这种“随机”与“秩序”之间的对话，让整个墙面看起来既像一件独立的装置作品，又像在悄悄讲述着艺术家创作背后的逻辑。

展览“Giant Small Shapes”是Manon van Kouswijk围绕首饰原型形式展开的一次系统性探索。她特别聚焦于一个我们都很熟悉的结构——串珠项链。这是一个跨越文化的、几乎人人都认识的基本形式。

Manon并不试图发明全新的形态，而是通过不断重复、调整与重组这些最基础的元素，使原本理所当然的形式变得微妙而陌生。

在创作方法上，她将系统性与直觉性并置：一方面借助数字序列、模板和规则进行组织；另一方面通过双手操作、即时判断与联想，让过程保持开放与流动。因此，每一件作品既像是遵循某种逻辑生成的结果，又保留着手工痕迹与偶然性。这种介于秩序与自由之间的张力，正是她作品的魅力所在。

材料上的选择上，Manon常使用瓷质珠子，通过重复排列构建出具有节奏感与结构性的形态。这些微小单元在不断累积中，生成出复杂的整体——这正好呼应了展览的标题“Giant Small Shapes”：小的形状，如何变得巨大。

还有一个很有意思的关键词：“findings”。这个词在英文里有两个意思——既是首饰制作中的“配件”，也是“发现”。，这一关键词也揭示了她创作实践中的核心：既指首饰制作中的基础组件，也指通过实践不断获得的认知与结果。她的作品因此不仅是完成的物件，更是研究过程的呈现——首饰在此被视为一种持续发生的探索。

Manon通过对原型形式的反复推演，将首饰从单一对象转化为一种关于结构、感知与生成过程的研究，使“熟悉之物”在细微变化中不断被艺术家和观众重新认识。

以上便是Ucic君在今年打卡的40个展览里艰难选出的其中三个展览的分享~

如果有你想要了解的首饰作品，尤其是Sam的作品，欢迎小窗Ucic君！

MJW2026回顾文的下一篇Ucic君将与大家分享在主会场IHM入手的三位艺术家的作品，是今年份在主会场，Ucic君highlight推荐的的好买好戴系列！

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