阿尔敏·莱希荣幸宣布于2026年巴塞尔艺术展香港展会（展位：1D28）呈现一场跨代际群展。值此展会期间，画廊将呈现美国观念艺术与装置艺术领军人物约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的大型指针式时钟作品《提问（G.E.M.A）》（The Question (G.E.M.A.））。
阿尔敏·莱希
@ 巴塞尔艺术展香港展会（Art Basel Hong Kong）
展位：1D28
贵宾预展（仅限邀请）：
2026年3月25日（周三），中午12点至晚8点
2026年3月26日（周四），中午12点至下午4点
开幕之夜：
2026年3月26日（周四），下午4点至晚8点公众日：
2026年3月27日（周五），下午2点至晚8点2026年3月28日（周六），下午2点至晚8点
2026年3月29日（周日），中午12点至晚6点
香港会议展览中心
香港湾仔港湾道1号
约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth, 1945年出生于美国）被公认为观念艺术和装置艺术的先驱之一。自20世纪60年代以来，他发展出一系列开创性的语言作品和挪用（appropriation）手法，探索语言、意义和艺术创作之间的关系。五十多年来，他的创作实践涵盖了装置、博物馆展览、公共委托项目和出版物等多种形式，遍及欧洲、美洲和亚洲。他曾七次参加卡塞尔文献展（Documenta），八次参加威尼斯双年展（Venice Biennales），其中包括在匈牙利馆展出作品《已知世界边缘的芝诺》（Zeno at the Edge of Known World，1993）。
他曾就读于克利夫兰艺术学院、纽约视觉艺术学院以及纽约市新学院。1967年至1985年间，他长期任教于纽约视觉艺术学院，随后又在汉堡美术学院、斯图加特国立美术学院、慕尼黑艺术学院以及威尼斯IUAV大学任教，并于2023年重返该校授课。科苏斯还曾在耶鲁大学、康奈尔大学、纽约大学、加州大学洛杉矶分校、牛津大学以及巴黎索邦大学等多所机构担任访问教授和客座讲者。目前，他生活并工作于纽约和威尼斯。其作品已被众多著名机构纳入收藏，包括美国纽约现代艺术博物馆、古根海姆博物馆、惠特尼艺术博物馆、英国伦敦泰特美术馆、法国巴黎蓬皮杜艺术中心、意大利罗马国立现代艺术美术馆等。
约瑟夫·科苏斯，《时钟（一与五），英文/拉丁文版本》，1965年 - 图片来源：英国伦敦泰特美术馆
在其1960年代的重要创作中，科苏斯建立起一种标志性的结构：将一个真实物件与其图像以及来自词典的定义并置，从而揭示语言系统与现实经验之间的关系。例如《时钟（一与五），英文/拉丁文版本》（Clock (One and Five)，English/Latin Version）便由一个真实的时钟、该时钟的等比例照片，以及来自英拉词典中关于“时间”“机制”和“物件”等词条的放大图像构成。通过这种并置，作品同时呈现对象本身与描述对象的语言体系，使观看者意识到意义并非来自物件，而是在图像、语言与经验之间的关系中生成。
在此次呈现的《提问（G.E.M.A.）》中，科苏斯继续以时钟作为媒介，探讨时间在生命所提供的多重情境结构中被经验与感知的意义。《提问 G.E.M.A.》（The Question, G.E.M.A.）题有铭文：“起点是当下的感知”（The starting point is the present perception），引述英国分析哲学家G.E.M.安斯康姆（G.E.M. Anscombe）之言。
科苏斯对指针式时钟的运用，在指涉层面上将“时间”的观念锚定在一种最直接、也最为熟悉的视觉表征之上，同时也敏锐地提醒我们：时间之于时钟，正如艺术中意义生成的复杂过程之于单一物件——二者都无法被真正容纳其中。无论机制多么精确，时钟在视觉上都更像是一个等待句子补全的标点符号；对于观看者而言，无论是集体还是个体，它所呈现的始终只是对某一瞬间的短暂一瞥，而这一瞬间从来不只是简单地流逝。
展览现场｜阿尔敏·莱希- 巴黎「问题」2025年9月12日 — 10月11日
通过将时钟这一被制造的物件从其原本的功能性语境中抽离，并与同样来自既有语境的引文语言并置，他的“时钟”作品进一步强化了我们对时间感知中所显现出的不足、界限与过剩的体会。作为一组持续展开的思考性系列作品，科苏斯的时钟也邀请我们回望自身的生活经验——无论时间是倏忽而过，还是沉重滞留，并由此引向关于意识以及“在时间之中生活”究竟意味着什么的提问。
展览现场｜阿尔敏·莱希- 巴黎
「存在主义时间」
2022年2月12日 — 3月26日
约瑟夫·科苏斯 @ AR
阿尔敏·莱希（巴黎 | 纽约 | 布鲁塞尔 | 上海 | 摩纳哥 | 伦敦）
1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。
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