阿尔敏·莱希 - 摩纳哥荣幸呈现彼得·哈雷（Peter Halley）的第三次画廊个展「近期绘画」（Recent Paintings），已于2026年1月28日开幕，并将展至4月3日。
这场美国艺术家彼得·哈雷的个展，如同寒冬一月中悄然绽放的一抹亮色，打破漫长冬日的灰暗。他的作品远离沉闷，以鲜明而强烈的色彩释放炽热的能量，这份光芒不会褪去，反而愈发耀眼夺目。
彼得·哈雷 「近期绘画」 @ 阿尔敏·莱希 - 摩纳哥 展期：2026年1月28日至4月3日 20 Avenue de la Costa98000 Monaco 周一至周五：早10点至晚6点，周六预约开放
正在展出| 阿尔敏·莱希 - 摩纳哥
彼得·哈雷（Peter Halley）1953年生于纽约。他的创作深深植根于这座都市所呈现出的剧烈社会对比之中。这是一座由锐利角度构成、以网格化规划为骨架的城市。在这样的环境中，他展开了对结构、禁锢与受限流动性的持续思考。其绘画中的“单元”（cells）与“管道”（conduits）因此成为隐喻：在一个高度互联却彼此分隔的世界里，个体终究难以摆脱孤立状态。自20世纪80年代以来，哈雷逐步建立起一种持续而鲜明的几何语言，这一语言既受到极简主义影响，也吸纳了早期数字文化的兴起，以及来自日常城市景观的视觉符号。
哈雷的创作可被置于纽约画派的谱系之中，更具体而言，是在抽象表现主义之后的历史语境中展开，但他同时对这一传统形成了明确的反向立场，拒绝将艺术简化为纯粹精神性的表达。他以几何抽象作为工具，剖析当代社会及其控制机制。在这一立场下，他主动与欧洲理论思潮建立对话，尤其是20世纪下半叶的法国哲学。福柯、利奥塔与鲍德里亚等思想家的影响清晰可见，也为艺术家本人所承认。与结构主义产生共鸣之处在于，他将重复的几何形式与技术、建筑和城市发展所构建的社会秩序与控制体系相联系。
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他与欧洲的关联同样体现在形式层面，尤其可见于与意大利孟菲斯（Memphis）设计小组的思想呼应。双方共享诸多当时核心的关切：对现代主义的断裂、对流行文化语汇的吸纳、新型工业材料的重估、带有幽默感的表现方式，以及在新型互联背景下对社会转型的关注。这些探索共同构成了一种时代性的视野。
在此脉络中，也不能忽略包豪斯（Bauhaus）的思想遗产。作为20世纪初兴起于德国的一所学校与艺术运动，包豪斯因纳粹政权的打压而解体，其成员随后迁徙至美国。包豪斯早已开启对现代性的系统反思，围绕建筑、技术与社会展开综合性思考，并倡导打破学科边界。随后，约瑟夫·阿尔伯斯（ Josef Albers） 亦成为重要参照人物；他曾在耶鲁大学任教，并正值哈雷本科时期。阿尔伯斯象征着一种复杂而矛盾的现代主义遗产。
同时，我们也能在巴西艺术家莉吉娅·克拉克（Lygia Clark）的创作中发现呼应。她在构成主义传统中发展出抽象语言，通过对身体、空间与系统关系的探讨来分析社会结构。在她与哈雷的作品中，几何形态都不再只是视觉形式，而是一种观念结构。不过，哈雷仍与这些深受现代主义与现象学影响的路径保持距离——尽管这种影响在其作品中若隐若现，却从未被他直接援引。与弗兰克·斯特拉（Frank Stella）具有鲜明图像特征的创作同样密不可分，哈雷持续通过经验回应社会议题，在某种意义上延续了极简主义艺术家如艾格尼丝·马丁（Agnes Martin）、丹·弗莱文（Dan Flavin），以及罗伯特·史密森（Robert Smithson）后极简主义（post-minimalism）实践的脉络。
从创作演变来看，哈雷的发展路径相当清晰。20世纪80年代的早期作品呈现出极端的节制：画面近乎沉默，仅由少量元素构成，多为单色。他将这些作品称为“名词式”（nominal），强调其最小化、陈述性的特质。自1989年起，“管道”与“通道”大量出现，不再构成封闭回路，而是呈现出某种非理性的扩散状态。画面色彩采用有机与荧光 Day-Glo 颜料，彼此冲突碰撞，映射出一种人工化、过度饱和的现实。这些更具表现力的作品被他称为“动词式”（verbal）。这种递进式的变化与其个人经历密切相连，体现出一种直觉而主观的创作过程。
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在这一演变之中，在阿尔敏·莱希 - 摩纳哥举办的本次展览汇集了他2023至2025年的最新作品，呈现出新的动力结构：“管道”消失，色块面积扩展，相邻空间不断突破自身边界。曾经象征地下空间、以二元线性连接为特征的结构，转化为更为游移的形态。作品在空间中的展开，使“单元”以更具不安与爆发性的方式增殖，蔓延至各个层面。哈雷似乎从早期互联网与新兴技术所象征的传统网络沟通，转向更广泛的传输模式——一个无限扩散的人工智能空间。作品因此呈现出失控的机械感，仿佛我们所建构的结构开始自主繁殖，重新塑造空间与主体性。
为本次展览特别创作的两件新作《白色监狱》（White Prinson）和《紫色监狱》（Purple Prison）尤为引人注目。它们在整体作品中显得更加内敛，形式上接近艺术家早期创作，并以明亮背景唤起地中海环境的光感，令人联想到监狱铁栏外的蓝天。艺术家暂时走出熟悉的视觉景观，引导我们通过他的逻辑重新感知自身所处的世界。他的立场始终批判，却从不滑向悲观，而是在荒诞与戏仿之间，以不协调色彩的组合制造愉悦的扰动。
画布上饱和的亮色在平滑与高度肌理化表面之间摆荡，部分采用Roll-a-Tex涂料——这种模拟廉价建筑涂料的方式刻意暴露其人工痕迹，以掩饰瑕疵、遮蔽缺陷并美化表面。正是这种持续不断的对立游戏，使哈雷的作品始终充满张力。当他围绕压抑与禁锢建构视觉词汇，并将方形直接指涉为监狱时，却又刻意赋予其荧光色彩。
以幽默与精准并行的方式，哈雷不断追问现代主义乌托邦与数字现实之间的关系。他那些光芒四射的画面既传达出强烈的造型能量，也构成对当下的诊断：在这个社会中，色彩既是遮蔽墙壁的伪装，也是逃离墙壁的路径。
文 / Stefania Angelini，策展人
彼得·哈雷肖像，2017年 / © 彼得·哈雷 - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希 - 摄影：Roxanne Lowit
美国艺术家彼得·哈雷于1953年出生于纽约，现在也工作生活于纽约。他于1975年获得耶鲁大学艺术学士学位，并于1978年在新奥尔良大学获得硕士学位。哈雷是20世纪80年代新观念主义运动（Neo-Conceptualist）的领军人物，以其充满系统性的标志性几何绘画而闻名。除了绘画之外，哈雷也从事教学和艺术写作，他曾作为《索引杂志》（Index Magazine）的出版人，并从2002年至2011年，他担任耶鲁大学艺术学院的绘画和版画研究生学习主任。哈雷标志性的作品创作始于20世纪70年代末，呈现出如同监狱牢房、计算机芯片和电线导管等，各式存在系统中棱角分明和硬挺的几何形状结构。他笔下大尺幅、通常是荧光色的图像美丽既美丽又惊人，隐喻着一种诞生于当代社会中总体化（totalizing）、往往令人窒息的系统规范所驱动的“人造”（man-made）文化现象的隐喻。
1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。
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