新年看展清单!10+城市60+艺术设计展汇总

新春长假将至，室内有哪些好去处？可以来看看这些展览！本篇中，Design360°为大家收集了60+值得在新春假期去打卡学习的展览，覆盖北京、广州、上海、深圳、成都等10+个城市，展示领域包含艺术、设计、建筑等领域。设计师们收好这份观展览指南！

展览旨在创造艺术作品、观众与环境之间，多样、全新的感官交流方式，立足于不同智慧模式的交汇点，将人类与非人类智慧同时纳入考量，并从自然与文化中汲取智慧。展览也将从上海，这座由异质的文化交汇、更新的社会性场所以及新兴的共处模式所定义的场域汲取灵感，通过城市项目促进当代艺术文化与上海城市的积极对话，将艺术延伸至美术馆外立体的外界空间。

“青年策展人计划”是上海当代艺术博物馆（PSA）的年度展览品牌暨学术品牌项目，自2014年创立以来，“青策计划”已助力58位策展人，实现23场实体展览和2场线上展览。迈入第十二届的“青策计划2025”首次聚焦艺术家个案研究与展示，邀请青年策展人们提交针对单一艺术家个展的策划方案。项目希冀通过对艺术家创作的深度挖掘，激发策展人对艺术家个体生产机制的洞察，探索更具问题意识和语境关联的展览叙事，在策展人与艺术家的紧密对话与协作中，开启“策”与“展”的新一轮思辨。

该展览探讨跨国黑人激进思想的物质与审美流通以及革命政治的边界。展览标题取自加勒比作家苏珊·塞泽尔（Suzanne Césaire）的同题文集《伟大的掩饰》。她指出，热带的自然美景掩盖了殖民暴力的现实——这一“掩饰”的隐喻成为本次展览的出发点。塞泽尔将超现实主义视为一种紧迫的艺术与政治介入方式，试图将西方殖民框架重构为具有解放意义的创作模式。展览响应作家苏珊·塞泽尔维系“否定之军”的号召，将当代艺术实践置入革命运动的遗产中考量。

该展览是艺术家彭祖强的首场亚洲机构个展，回望那些临时组建又突然断裂的媒介历史。彭祖强关注媒介本身的抵抗性修辞，以此反思历史的局限性与档案的不可抵达。展览核心作品是一件全新委任的三频影像装置《四散》（2025），灵感来源于上世纪六十至八十年代仅在中国流通的8.75毫米胶片格式；另一件影像装置《青园》（2022）则触及神秘运营的马来亚地下电台及其传闻。

该展览是法国卢浮宫博物馆的上海首展，展览依托卢浮宫的丰富馆藏，旨在展现16至19世纪印度、伊朗与奥斯曼艺术创作的非凡造诣与卓越成就。共计包含约300件卢浮宫馆藏珍品，是卢浮宫在中国所举办规模最大的一次展览。

该展览是国际巡展的首站，也是中国唯一站，以当代视角呈现其珍贵馆藏中跨越艺术家整个职业生涯的经典作品。以十余个主题展厅呈现了毕加索跨越半个世纪的创作轨迹，集结油画、雕塑、水彩、陶瓷、版画等多种媒介，完整覆盖艺术家一生中所有重要时期。80件来自巴黎毕加索博物馆的代表性真迹，为观众构筑起迄今最完整、创作类型覆盖最全面的毕加索艺术光谱。

该展览是国内首个全面、系统性梳理激浪派的大型展览，呈现200余件蓬皮杜馆藏真迹，可以面对面亲眼见证“激浪”的历史回荡。该展览以11大章节贯穿全展，完整追溯史上最具颠覆性艺术流派。

艺术家、探险家及预备宇航员迈克尔·耐贾尔的的创作始终游走于艺术、科技与探险的交汇点。其全新个展“动态平衡”展出的核心影像作品“液态景观”与“冰川异托邦”，是他深入冰岛火山与高北极地区实地创作的成果。此次展览是耐贾尔为上海个展特别构思呈现，通过其标志性的宏大影像与前瞻视野，邀请观众一同审视处于深刻变革中的地球与人类未来。

该展览通过影像、摄影、文本与装置，系统梳理了艺术家近十年来从“图像考古”到“寓言叙事”的创作实践，邀请观众在观看与讲述中探寻更多叙事的自由。同时，试图呈现这样一种双重视野：一方面是冷静的图像分析与叙事重构，另一面则是温情细腻的生命共感与记忆书写。观众将穿行于被改写的寓言、被重塑的图像与柔软的诗意影像之间，重新思考如何观看、如何讲述，以及如何在叙事中实现更多的自由与理解。

在“宇观时钟”中，阿普里欧重新诠释了十二星座，将其化为一种普世的语言——一幅连接形体、元素与时间的映照图谱。油罐艺术中心宛如化身为一座天体观测所，一座有机的“生命之钟”：在这里，不同文明相互对话，神话通过金属发声，而雕塑，则成为宇宙呼吸的具象回响。

展览呈现艺术家陈高杰、段林冬、郭宇剑、高崇艺、侯惪华、黄天宇、廖小舟、邱锡鹏、吴牧寒、谢灵柔、宰鹏飞的作品。在展览主题中，这些艺术家的作品通过古典主义范式的共性相互连接，而人类的情欲、冲动却又在这种范式束缚下的幽微之处激活，并拉扯出尖锐而锋利的张力。以四层独立空间结构连接小说原著《索多玛的一百二十天》中“四个三十天”的延展，亦呼应作者萨德侯爵的四幕式写法。

当抽象表现主义的震荡早已归于历史，极简主义的语言亦已封顶，沈忱却在纽约与上海之间往返三十余年，于语言力竭之处持续探问。展览呈现的是这场漫长探索在当下的结晶：作品抵达几近透明的境地，更灰、更静、更暧昧，如黎明前最深沉的一抹暗，逼近“空”的本体。观者在其中行走，仿佛步入一个失去时间痕迹的空间，每一次凝视都是与时间的对话，亦是精神的沉浸。

展览以“马”与“红”为核心线索，聚焦艺术家孙大旺的品牌与视觉设计实践，由策展人、品牌创生实验室合伙人潘惠策展。展出作品涵盖文化海报、品牌形象、城市区域视觉系统及国家级文化项目，包含上海临港新片区、上海西岸、北外滩、上海家化、美加净、浦东城市规划和公共艺术中心等品牌案例，以及中法建交60周年徽标设计。这些作品共同构成了一个跨领域的设计实践图景，展现出艺术家在公共文化、商业视觉与城市形象等多层面之间的平衡与穿梭。

该展览呈现55位蓬皮杜中心馆藏西方艺术大师与16位中国当代艺术家总计86件作品，展现色彩的现代史及中西对话。展览以“色彩”为核心主题，围绕“现代主义的演变轨迹”，呈现现代艺术的革新与探索历程，涵盖野兽派、超现实主义、波普艺术等关键流派。通过七个单色空间，展现东西方色彩美学的同场同频对话。

“铁克诺世界”（TECHNO WORLDS）是自2021年起由歌德学院（Goethe-Institut）发起的全球巡展项目，它于2025年12⽉6日首次登陆中国北京，由MACA艺术中⼼与北京德国文化中心·歌德学院（中国）共同呈现。“铁克诺世界”展出了曹斐、Chicks On Speed、托尼·科克斯、苏珊娜·切巴图尔、德福雷斯特·布朗二世与阿布卡迪姆·哈克、亚历山德拉·多马诺维奇、朗戈阿托·赫拉萨内、池田亮司、玛丽亚姆·贾夫里、罗伯特·利波克、那林呼、Mamba Negra、亨丽克·瑙曼与巴斯蒂安·哈格多恩、卡斯滕·尼古拉、耳石小组、文卡·彼得森、丹尼尔·普夫鲁姆、莎拉·舍恩菲尔德、杰里米·肖、郑可、托比亚斯·齐洛尼等艺术家的作品，以及克尔斯汀·格赖纳策划的时尚文献。

作为杨福东（1971年出生于北京）在北京的首个机构个展，也是其迄今规模最大的一次展览，展览展出其全新创作的六部影像作品、一幅大型绘画装置、一组家具影像装置，以及一系列早期绘画、影像作品和相关文献档案。作为展览的核心作品，15频黑白影像装置《香河》（2016-2025）凝聚了杨福东超过二十五年的构思与创作。

本次展览由今日美术馆与北京西班牙文化中心塞万提斯学院联合主办，汇集中西两国近30位女性艺术家的多元创作。展览共展出44件作品，包括西班牙20位女性艺术家的20件作品，以及中国9位女性艺术家的24件作品，以期搭建跨文化交流的艺术桥梁。展览以五大主题为线索，为大众提供一个开放的思考空间。参展的中西女性艺术家以影像、雕塑、绘画与装置等形式回应五个主题概念，从形而上到身体性等多个维度构建一个开放而流动的对话场域。

作为中国二十世纪九十年代以来最具代表性的女性艺术家之一，蔡锦的艺术风格以植物生命形态为载体，通过东西方美学的交融与材料语言的革新，构建独特的视觉哲学体系。本次展览首次以 “身体、物性、绘画” 为框架，通过70余件作品、文献及影像进行系统性学术梳理，呈现蔡锦三十余年的创作生涯整体脉络。

在人工智能与自动生成技术日益介入创作领域的当下，本次展览试图超越对技术表象的讨论，深入探索艺术在算法与数据洪流中如何保持经验的厚度、时间的深度与精神意志的独立性。本次展览汇集白小墨、范勃、费俊、罗霄、缪晓春、谭平、王霄、武子杨、尹秀珍、郅敏十位艺术家的创作与实践，以“数据文献”而非单纯作品展示的方式，呈现他们在数智时代下的思考路径与工作方法。

红砖美术馆精选馆藏展，3位享誉国际的重量级艺术家包括奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）、安德里亚斯 · 穆埃（Andreas Mühe）、克里斯多夫·勒·布伦（ Christopher Le Brun），作品涵盖装置、绘画、摄影等形式。此次馆藏展秉承红砖美术馆“收藏即传承、共享即教育”的价值取向，观照红砖对当代艺术历史与现状多维度的思考与实践。

展览以七十余件跨越1970年代末至2025年的画作，构筑起艺术家四十余年创作轨迹的完整图景。展览延续“河东／河西”与“画什么／怎么画”的双重线索展开，观众得以跨越时间，见证刘小东在自我与世界、绘画与现实之间持续不断的自我更新。

展览呈献艺术家梁远苇的最新油画系列。作品将“雨”转化为笔触动势，强调“无悔笔”的即时性。艺术家弃用传统画笔，改以刮板、圆片等工具处理稀释颜料，通过“去经验”的方式探索色彩。技法上，她利用两层颜料叠加并局部刮除，构建出“最低限度的雕塑”，诱导光线穿透色层，在痕迹间造成图底波动，呈现颤动的视网膜印象，将绘画动作转化为与世界共鸣的动态肌理。

展览全面呈现雕塑家韩冬的创作脉络，由三个主题章节及工作室复刻文献单元构成。作品跳脱写实束缚，深受新石器时期原始美学启发，展现出独特的东方抽象气质与神秘灵性。材质选用硅青铜，结合类似水墨创作的独特着色技法，使作品兼具金属的沉重与色彩的轻盈。内容涵盖对远古文明的回应、自然与人文的交织，通过极具史诗感的雕塑语言，构建出一场跨越时空的精神旅程。

展览展出艺术家刘璐近两年的近20件布面丙烯作品。创作源于对都市日常光影的摄影捕捉，经数字软件重组后，通过细腻繁复的绘画笔触在画布上重建光影秩序。作品聚焦人造光源下的城市幻象，利用“叠底”视觉线索，将瞬息流光转化为兼具抽象美感与精准写实的视觉语汇。内容探讨科技时代景观与感知的关系，通过捕捉光影中蕴含的情绪能量，为现代生活构建出诗意且具慰藉感的精神空间。

展览汇集十二位中国代表性艺术家的抽象力作，系统呈现中国当代抽象绘画的演进轨迹。展出内容聚焦“实虚学”，通过三条路径展开：一是从现实关切中提炼象征结构；二是在物质与时间的重复劳作中探寻秩序，涵盖大漆、丙烯等媒介对生命时长与物质性的实验；三是深植东方哲思，将水墨意境、书写性笔触与“空”的审美融入当代感知。作品跨越从景观重构到理性语言纯化的多元探索，彰显了中国抽象艺术植根于本土文化与剧变现实的内生性精神实践。

本届影像三年展以“感知生态学”为主题，汇聚来自全球25个国家和地区的80余位艺术家的最新力作，从视觉文化的核心切入，探讨在数字技术与生态现实交织的背景下，影像艺术如何回应人类感知方式的重塑与认知结构的转型。此次在新馆的首展不仅是该学术品牌在全新地标空间的重要亮相，也标志着自2017年更名以来，影像三年展在学术视野与策展实践上的进一步深化与突破。

该展览汇集二十余位来自不同文化背景的当代艺术家作品，涵盖广东美术馆重要馆藏、艺术家借展作品，以及来自高校研究机构的前沿艺术实践，在美术馆新馆中央大厅集中呈现。不同于传统“白盒子”式的展陈方式，展览将作品置于观众必经的公共流线之中，使艺术不再是被动观看的对象，而成为可被“相遇”的存在。

展览聚焦当代社会中人类对大地认知的经验转向，以“临界带”为框架，探讨技术条件下人与环境的关系。汇集绘画、摄影、影像等媒介，艺术家通过介入成像机制揭示技术与自然的张力，或在传统水墨与当代经验间重组图像，将山水、地图转化为身体经验与历史层积的表达。展览呈现多重尺度的地表图景，引导观众从抽象数据回归对微观变化与生命痕迹的感知，重新思考复杂环境中的“栖居方式”与调适能力。

展览呈现了从古典到当代的多元艺术盛宴。内容涵盖：聚焦数字美学与感知重构的前沿影像；名家幽默写意的晚年近作及笔下的体育盛事与世事百态；融合东西方语汇的跨文化水墨与密体山水花卉。此外，还展出探讨理性与秩序的国际当代艺术、中日韩抽象艺术实践，以及馆藏外国版画与抽象艺术研究。同时包含融合传统哲思与现代科技的沉浸式数字艺术，以及展现千年韵味的德化白瓷，系统梳理了多维度的艺术生态。

“小芳”是艺术家胡尹萍自2015年发起的一场持续至今的社会艺术实践。为何是“宇宙银行”？当算法、虚拟货币、AI技术席卷日常生活，阿姨们面对陌生科技洪流时的无措与焦虑，成了艺术家以及阿姨们日常对话中的新议题。胡尹萍以“宇宙货币”为命题，邀请阿姨们钩织出“吃货国”“机械国”“赛博朋克国”等虚拟国度的货币。这些毛线编织的货币，既是阿姨们对未知世界的天真解读，也是她们对抗技术焦虑的创造性宣言：当世界疾驰，手艺与想象依然能开辟新的价值轨道。

在永恒的数字缓冲与身份的持续重构之间，我们主动或被动地从一切固有的归属中自我放逐，从固有的认同框架中流散，成为在不同语境、社群与算法推荐间切换的“游牧主体”，进行着一场被迫戏谑、却又无比严肃的生存探索。艺术家们的创作正是这种探索的美学实践——他们的作品以伪装、幽默与感知干扰作为生存策略，在资本与技术的夹缝中开辟出临时战区，构建一场关于身份流动性、连接困境与自我生成的深刻对话。“流放之问”并非指向某个遥远的彼岸，而是内在于每一次刷新的等待、每一次连接的迟疑与每一次身份切换的眩晕之中。

我们时代的矛盾和纷乱程度，不亚于狄更斯在《双城记》中的描述：“这是最好的时代，也是最坏的时代；这是智慧的时代，也是愚昧的时代……”在这样的时代中，人们对城市和建筑的态度，也两极分化。有人乐观地相信：人类依赖高新技术，不光可以一揽子解决地球上的栖居难题，还可以顺利、正当地殖民火星；也有人悲观忧虑，面对多重社会和环境危机，对人性和社会“进步”的可能性丧失信念.深港城市/建筑双城双年展（深双），走过了二十年历程，还能秉承过往的批判精神，有力应对当下各种极化的形势和态度吗？

展览由艺术史家吕澎策划，以严谨的艺术史视角梳理改革开放以来的绘画发展脉络，呈现中国超现实绘画的过去与当下，启发观众对其未来的想象，感受中国当代社会的丰富与独特。50余位艺术家，跨越四十年。近100组超现实主义绘画作品构筑出一场梦与现实交织的视觉冒险。

本次《建筑无垠：扎哈·哈迪德建筑事务所设计展》将通过五个主题模块构建了围绕最新技术发展的探讨，这些技术正在深刻改变21世纪建筑师们的工作方式。五个主题模块包括“扎哈之城—粵港澳大湾区板块”、“都城乌托邦”、“头脑风暴”、“实时分析配置器”和“展览数字孪生”。这些模块展现了事务所在赛博建筑领域的前沿探索，该研究在持续深化物理世界与虚拟世界之间的互动。

2025字生态设计展以“文字力场”为核心策展主题。展览由深圳市平面设计协会(SGDA)、深圳图书馆与方正字库联合主办。该主题概念的深刻之处，在于其内在的双重指向性——它既是“力”的凝聚与迸发，也是“场”的营造与蔓延。前者关注文字作为一种视觉符号在瞬间释放的冲击力与表现力；后者则强调其在特定文化、社会与技术土壤中，持续交互、演化并生长的动态过程与生态场域。

该展由深圳湾文化广场与伦敦设计博物馆联合呈现，以 “一个世纪的椅子：形式、功能与未来” 为主题。超 130 件经典与现代作品集结，涵盖马歇尔・布劳耶、伊姆斯夫妇等国际设计大师的杰作，也包含邵帆、蒋琼耳等中国设计师的力作。展览以材料、身体、流动等六大叙事维度，打造沉浸式 “椅子剧场”，借椅子串联百年设计史，探索东方哲思与世界设计语汇的对话，以及数字时代下椅子的未来形态。

英国当代艺术家埃斯·德芙琳（Es Devlin）的亚洲首展“我心归处”正式向公众开放。作为国际公认的“当代视觉巨匠”，这一次她将创作重心从万众瞩目的舞台，转向了一片湿地、一群候鸟、一座建筑与无数个体的内心归途。

该展览是一场由藏家与创作者共同编织的、关于“人”的探索。从千年前的古老土地、远古的石刻残件，当代的画布与屏幕，捡拾起散落在时间长河里的碎片。这些碎片关乎肉身的装饰、欲望的流淌、神性的寄托，当下的迷茫，以及每个个体都会面对的，最终的消亡。这些碎片是令人着迷的，而由得不禁发问：我们与我们身处的时代，究竟有怎样千丝万缕的联系？

万一空间“万里不挑一”系列企划的第五期，并荣幸邀请芝作为本期主展人。本次展览以芝的收藏与日常器皿为线索，将古代与当代艺术作品、家具、茶器、园林并置同一空间陈列。这些材质关系、不同年代的器物，不作为孤立的展览品呈现，而是被放置回其“可生活”的状态拍卖——它们与室内空间的插图以及人在其中的生活状态形成相互呼应的。

以近半年来对深圳的观察，提出深圳一场补丁行动的概念，用艺术的形式探索深圳独特的生长方法论，在门的空间进行了小范围的实验。在2025的最后邀请每一位深圳“补丁人”来到门探索属于你的补丁记忆，一同完成这场修补。同时也邀请到了三位特别棒的艺术家、设计团队加入到这次的补丁创作中。

展览聚焦东西方神秘主义与志怪文学的艺术重构。展品以艺术卡牌为载体，灵感源自中世纪手抄本边框图像及《山海经》、《坚夷志》等传统志怪小说。通过融合东西方绘画技巧，重塑了充满幻想色彩的神话生物与边缘图像。作品延续了手抄稿的互动性，将八卦、五行等东方哲学思想融入视觉设计，在方寸间呈现出跨文化的艺术表达与神秘学思考。

2015年，因对手工艺与生活美学共同的执着与理解，梵几与彁木头相遇，合作由此而生 。 彼时，强哥心中那份质朴却宏大的心愿 ——“百勺计划”，初次走入我们的视野。他愿以百柄木勺，探寻木之本真，完成一场关于手与心的修行。 十一年后，我们以“百勺计划”完成为契机，共同呈现这场展览，将这份源于自然、成于双手的木艺哲学，首次完整呈现在大家面前。

HAY，来到深圳从一场展览开始，一段关于设计与生活的叙事在深圳展开。展览汇集跨越年代的设计作品，呈现 HAY 对当代生活的持续回应：设计在时间中被验证，在使用中被更新。这也是 HAY 深圳启程的序章。2026年1月，HAY 深圳首店将正式开启。

此展览展出劳森伯格的一系列重要作品，有的是他在亚洲创作，有的是他取材于自己在亚洲的经历。展览追溯他在中国、印度和日本寻找纺织物及跟造纸师和陶艺家合作的经验，对他在概念、艺术形式和物料上的启发。展览亦会探讨劳森伯格海外文化交流组织的亚洲项目，例如在北京（1985）、拉萨（1985）、东京（1986）和吉隆坡（1990）等地举行的展览，细想当中的历史和深远影响，以及其对当地艺术家的深刻启发。

M + 呈献“观音．听时”，致敬日本作曲家坂本龙一（1952–2023）。展览以其 2017 年个人化专辑《async》为核心，联同高谷史郎打造沉浸式装置《async-immersion》，以 3D 声场与平行时间轴的视觉影像呈现；另展德国艺术家卡斯滕・尼古拉 2024 年流动影像作品，配乐取自坂本最后专辑《12》。M + 戏院亦同步放映其相关影展，致敬他在电影配乐、跨界创作的卓越贡献。

这次展览透过香港摄影艺术家鲍皓昕的艺术诠释，凸显《易经》无尽的关联性与创造力。鲍皓昕两个系列作品—《中国墙城》和《观静录》，探究文化遗产与艺术创作之间的关系。这些照片捕捉变化无穷的世界，见证鲍氏对《易经》的深刻领悟，藉此拥抱真实自我，饱览天地之壮丽与奥秘。这是一场视觉盛宴，让观众体会天地造化之中气的微妙变化，沉思古籍中阐述的“天、地、人”互动与合一的中国古代哲学概念。

纵观张培力四十余年的创作生涯──从对录像带、显像管电视等早期媒介的探索性实践，到在网络讯息和社交媒体普及时代对讯息饱和的批判性创作，他如今的作品依然延续着对媒介技术本身的关注。

大馆当代美术馆“保持在线：2008年后的艺术与中国”系列展览第二章“保持在线：全球供应”，汇集逾 40 位参展艺术家，超过 70 件作品，透过披露个人故事、家族历史及鲜为人知之处，探讨全球化及中国近数十年来、前所未有的经济增长，并重新检视中国作为世界生产及物流中心的角色，如何维系现代生活。

“DX GRAVITY设计引力”展览不仅仅是一次作品的展示，更是一次关于“成功要素”的深度译码。我们透过这些优秀案例，探讨设计如何转化为商业引力。 “DX GRAVITY设计引力”展览立足于粤港澳大湾区的蓬勃活力，邀请来自香港、广州、深圳、佛山、东莞的的顶尖设计与品牌机构共同参展。这是一场跨越地域的创意对话，旨在展现大湾区设计力量如何通过多元化的视角，为商业赋能。

“浮声切响”作为本次展览的题目出自南朝文史及音韵学家沈约《宋书·谢灵运传论》一文，此次展览汇聚了来自不同国家和地区的17位（组）艺术家的20件（组）作品，以声音与韵律为线索，希望邀请观众在语言与自然的缝隙之间、狭义的聆听与诉说之外，去尝试贴近表达与交流的核心，寻找一种原始的深层的共感体验。

展览集中呈现2024年JAGDA年鉴中海报、书籍、包装、空间等门类的获奖与入选原作，探讨AI时代下平面设计的角色转变。特设“北川一成”专题，由六位专家导赏其兼具商业强度与艺术感性的代表作。同时，通过影像单元呈现25组亚洲跨界创作者关于技术挑战、文化语境与设计意义的深度对话，全方位勾勒当代视觉语言的探索与可能。

在当代中国急剧变迁的现场中，“故乡”既是一种地理坐标，也是一片精神飞地。它承载着集体记忆的余温，也孕育出民间错综多样的当代神话。张晓的创作，如同一场漫长的“返乡”，但他所追溯的，并非一个田园牧歌式的怀旧故乡，而是一个充满了协商、杂糅、断裂与再创造的场域。在这里，前现代的“幽灵”、草根民众的智慧与时代的浪潮相互纠缠，共同构成了一出出光怪陆离却又生机勃勃的图景。而那种不遵循常理、充满生命力的“各显神通”，正是张晓长期浸淫在民间社会中所敏锐捕捉到的精神气质。

本届双年展汇集全球29个国家和地区、251位艺术家的328件/组作品，以“烟火指数”为主题，设置“哪里值得”“日常奇境”“城市棱镜”“穿梭时空”“回到生活”“廿四小时”六大主题版块，以及于去年12月19日先行开幕的户外展区，意在从艺术的视角呈现日常生活，并解读一座城市的活力与幸福感。

艺术家陈萧伊通过尺度的缩放与重组，显影出跨越时空的生态感应，以触及人类与“非-人”（Non-human）世界之间流动的物质与能量。她致力于让那些看似消逝的、不可见的生态记忆重现，释放山脉褶皱中潜藏的历史与生命力；并在广袤的宇宙回响中，重新测度、辨认生命在当下的坐标与重量。

“新地方文化”系列活动，以“地方文化的存续与演进”为主题，呈现和探讨地方传统文化与民间艺术，如何在新场所新需求新情境下可持续发展，不固守一隅，走向日常，融入生活，探索更生活化的新地方文化发展路径。该主题活动计划挖掘、邀请不同地方民间艺术团体、手艺人、艺术家及设计师共创多元形态文化内容，并通过系列演出、展览、市集等内容板块，共同探讨跨领域合作可能，探索“新地方文化”对城市、街区、社区以及居民所产生的价值和意义。

展览聚焦当代乡村住宅的设计、建造与教育实践。内容涵盖独立自建住宅、木结构实验及乡土营造工艺，展示了清水混凝土与现代夯土等材料应用。重点呈现了乡村“混合营建”策略、水库营地更新研究及宅基地微改造设计。此外，还包含探索可持续材料替代方案的教学成果，全方位探讨了乡村居住空间的多元路径与未来想象。

“偏食”以食物为锚点去观察世界正不断发生的偏移，邀请十一位（组）具有研究背景的艺术家，共同探讨当下的食物系统：生产者、消费者与食物本身所经历的持续异化，以及这些偏移的机制如何潜移默化地影响着我们的感官与思考方式。艺术家们通过影像、装置、绘画和拼贴等媒介游拽于海洋、森林、田地与工厂的边界，在展厅内勾勒出一条隐形食品链。展览探讨从采集到工业生产中无处不在的操控机制，而对于食物的追根溯源即是对劳作的追问，谁是闭环中的牺牲者？温州在展览中不仅代表了一种地方经验不断被编织以顺应进入宏大世界体系的过程，也成为观察“利”与“义”的重要路径。我们邀请观众从自身的经验重新“咀嚼”和“消化”，理解食物与生活的多重关系。

“导演的房间”是苏州当代美术馆发起主办的系列电影导演研究项目。值此蔡楚生诞辰120周年之际，我们选择以其作为系列研究的开端。蔡楚生是中国电影从早期探索走向成熟的关键人物，他的人生与创作轨迹，生动展现了一位电影人如何从个人感悟出发，最终与时代共鸣。

“BIG：唯物主义”展览由苏州当代美术馆与BIG联合策划。展览分为两个章节、十个主题展台及一个特别展区，通过回归建筑最基础、最本质的单元——材料，展开一场关于营造逻辑与空间意识的深度讨论。

本次展览由苏州金鸡湖美术馆、优艺中国与乔治·兰多博物馆联合呈现。展览名为“色彩因爱而生”，旨在引发人们对生命意义的思考。展览汇集了乔治·兰多创作于二十世纪六十年代末至2024年间的115件/组作品，这些作品来自艺术家个人收藏、私人藏家及西班牙乔治·兰多博物馆馆藏。

欢迎来到“野土未来菜市场”。这里呈现的，是一个或许并不遥远的未来场景—纯净的土地与自然生长的食物，早已沉淀为时代记忆中珍贵的碎片。在这里，昔日寻常的农作物和畜牧产品，因其极致的品质与稀有性，终成为了真正意义上的奢侈品。 艺术家张峻峰通过像素与字符化的方式，重构了这些“未来的珍稀食材”，在这些规整有序的代码之中，它们既是完美的，也是失真的；既是永恒的，也是脆弱的。

2018年10月，D&DEPARTMENT正式与碧山工销社合作，在安徽的乡村碧山开设了中国首店。D&DEPARTMENT的入驻成为工销社的一个新起点，旨在向中国消费者推广“长效设计”，在发掘黄山等地方上的长效设计产品的同时，定期举办展览及学习会，构建一个关注地域设计的综合活动空间和交流平台。

展览以“握手”为隐喻，呈现松弛且有温度的关系生成。汇集了一只脏猴、谭阿梨Lynn、彭卡爆、小黑泥等多位插画师的视觉创作，作品涵盖细腻的柔软线条与强烈的感官色面。艺术家们以不同方式表达内心微光并构建对世界的认知，展现了多元的视觉个体。展览旨在图像时代提供一个遇见艺术的窗口，让观众在作品中感受人与世界建立联系的多种路径，体验真实而短暂的共鸣。

本次展览聚焦平面设计师肖陈新与孙尧的设计实践。肖陈新以“烟”为线索，通过图形设计与形式实验，探索个人化的视觉语言；孙尧则以“酒”为灵感，深耕字体排印，研究文字结构与信息传递的节奏。两位创作者结合留日、留韩的文化背景，将理性与感性、图形与文字相互渗透。展品呈现了从“雾”的视觉实验到“醺”的文字探索，在清醒与迷离间构建出独特的感知空间。

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